Reseña: La La Land

A finales de 2014 tuve la oportunidad de ver una película que inmediatamente quedaría entre mis cintas favoritas de los últimos años: "Whiplash" de Damien Chazelle, la historia de un baterista que soñaba con transcender en el mundo del jazz y dejar su marca en la historia, enfrentado a la malévola y catárquica presencia de un radical profesor de música cuyo objetivo en sus propias palabras era "Impulsar a las personas a ser más de lo que se espera de ellos". La cinta me emocionó especialmente por el conflicto moral que nos planetaba, la historia escrita por el propio director es aún una de mis favoritas.

Entonces me propuse seguir siempre el trabajo de Chazelle ya que para ser apenas su segundo filme y ya estar haciéndose camino en el mundo del cine, era un éxito realmente impresionante. En 2016 participó en la escritura del guion de "Cloverfield 10 Lane" cuya tensión psicológica entre los personajes realmente disfruté (a pesar de no quedarme muy convencido con el final). Y es ahora que finalmente llega a Perú su tercera película que además de ganarse el estar en boca de todos y ser recomendada una y otra vez, se llevó nada más que 7 Globos de Oro la noche anterior a su estreno aquí.

Este retrasado estreno fue realmente una tortura personal puesto que en distintas páginas web y grupos de cine se comentaba lo genial y divertida que era, y mientras otros países ya podían disfrutarla en sus salas de cine yo tuve que esperar semanas en las que tuve que tener cuidado para no arruinarme a mí mismo el entretenimiento de ver la película, puesto que la comunidad de internet está plagada de spoilers y opiniones que pueden influenciar fácilmente a uno.

Pero finalmente está aquí, ya pude verla y si bien no soy fanático de los musicales y apenas he visto tres en toda mi vida (y eso que solo fue porque no tenía nada más que ver) decidí arriesgarme a pagar una entrada para poder ver el trabajo de este ascendente director cuyo trabajo, como ya mencioné, admiro demasiado.

Quizás la más dura prueba por la que pasé (y de seguro muchos pasan) a la hora de ver un musical es la idea predeterminada que tenemos de ellos: alegres, vivaces, coloridas, radiantes y sobre todo románticas; ideas que luchamos por aceptar puesto que la vida real no es así, no es tan sencilla, no es tan simple como encontrar al amor de tu vida en un solo día o ver cumplidos tus sueños con apenas dificultades; son ideas falsas e inverosímiles pero que conservan cierto encanto y deseo, en el caso de los soñadores es incluso más, pero el verdadero logro de Chazelle con esta película no sólo es dejarnos llevar por este tipo de historias, sino llevarlas más allá.

Se habla muchas veces que el cine no se trata de contar historias sumamente originales, sino innovar la forma en que las cuentas, el poder de contar una historia conocida de manera única. En "La La Land" tenemos esa clase de argumento, si les contaran la historia sobre una joven soñadora que llega a Los Ángeles con el objetivo de ser actriz pero que vive constantemente las decepciones de un mundo que no aprecia su talento ¿Dirían que es una historia espléndida y original? claro que no, raya en ser un cliché; en otro ejemplo tenemos a la pareja protagonista que en un inicio no se llevan bien pero que por casualidades de la vida pasan una noche fantástica y desde entonces son los seres más románticos del mundo, también otro cliché, así que la trama de esta película no es del todo original, pero su forma de evolucionar y desarrollarse es fascinante.

Cautivación visual y sonora

Al entrar a la sala de cine a ver un musical uno sabe que habrá momentos alegres y divertidos con más de una escena cursi, y de hecho en un inicio "La La Land" es así. Veo esta cinta como una obra dividida en dos partes, la primera busca cautivarnos y sorprendernos con el despliegue visual, técnico y sonoro del cual Chazielle y su equipo técnico hacen uso sin freno y de manera magistral; la fotografía que nos ofrece Linus Sandgren es colorida, sólida, cuidada y estéticamente alegre. El manejo de cámaras en los planos secuencia está llenos de detalles y viveza que los ojos del espectador no pueden quedarse quietos ni aburrirse en ningún momento. Las canciones primaverales y joviales que sirven para imprimir simpatía en la historia

Las actuaciones de Emma Stone y Ryan Gosling como Mía y Sebastian son buenas. Tenemos tiempo para conocer a cada uno de ellos, sus miedos así como metas y aspiraciones y tanto Emma como Ryan entrar perfectamente en la piel de sus respectivos personajes (aunque como dije, estos son algo de cliché) y una vez que comparten pantalla juntos la química que surge entre ellos se siente natural y por ningún momento forzada.

Los personajes secundarios no son muy explorados en esta parte de la cinta ya que aportan poco o nada a la historia, logrando mantenerla simple y entendible para pasar a lo bueno.

Empatizamos más con los personajes

Hasta ahora todo bien, tenemos una historia entretenida pero común, alegre y expresiva pero por el momento nada que no veríamos en cualquier otro musical, todo es felicidad y amor. Es en la segunda parte donde creo que la historia avanza progresivamente hasta llegar al clímax que no dejará indiferente a nadie.

La primera parte sirvió para envolvernos y sentir la atmósfera de musical moderno pero con tintes de antaño. Pudimos conocer y sujetarnos a nuestros personajes pero es a partir de este punto que empezamos a empatizar seriamente con ellos, los conflictos se vuelven más complicados, sus miedos son más entendibles, su sufrimiento y amor se siente más real, hacemos una exploración psicológica por ellos y esto los vuelve más humanos, más reales. Los personajes secundarios ahora tienen un papel e influencia más relevante para la trama y el sentimentalismo se aborda de una manera más certera y relacional.

Aquí se rompe la ilusión de cuento de hadas que puede tener no solo cualquier musical sino también cualquier historia romántica. El cambio de entorno se construye (al igual que en la primera parte) a través de la estética y las canciones, aquí pude realmente empezar no sólo a creer en los personajes sino en familiarizarme con ellos.

Ciudad de Sueños

Primero nos cautivó el despliegue artístico de la película, que sirve como una invitación a su propio mundo y personajes; para luego pasar a la exploración y construcción de ellos y así avanzar progresivamente en una historia que cada vez tiene más dificultades, más realismo y más sentimiento. Todo esto para llegar a una de las mejores secuencias finales que he visto en mi vida.

"La La Land" no es una historia nueva, pero si es una historia bien contada, bien filmada, ejecutada y actuada. Las canciones, fotografía, guion, personajes y secuencias quedarán mucho tiempo en la memoria del colectivo cinéfilo y es una apuesta segura en muchas categorías de los Óscares que veremos en poco tiempo. Mi calificación es 9/10, recomendada.

Reseña: Assasins Creed (SPOILERS)

En el ya lejano año de 2010 tuve la oportunidad de jugar por primera vez una de las franquicias de videojuegos que más he seguido a lo largo de los años: "Assassin's Creed II" un juego que junto con su historia, jugabilidad, música y ambientación me fascinó, la rara idea de tener un videojuego al estilo de mundo abierto como GTA pero en distintas épocas de la historia de la humanidad pareció funcionar bien para Ubisoft, quienes se encargaron de llevar la franquicia al punto de la sobre explotación y el desenfreno. No soy un "gamer" experto en videojuegos e incluso ni soy el mayor fan de esta saga, sus primeras entregas me parecieron maravillosas e intrigantes pero nada más allá de ello.

Con el creciente intento de volver a producir películas basadas en videojuegos y además que están al fin encuentren la fórmula de funcionar bien; Ubisoft se arriesgó a sacar su propia adaptación de la popular saga, mas no se centraron en la recreación exacta de las tramas contadas en sus numerosas entregas, decidieron ir por un terreno relativamente nuevo, quedando del videojuego solo el concepto, mientras que los protagonistas, ambientaciones históricas y arcos argumentales se escribieron a partir de la propia imaginación e información del a cual se valían sus guionistas, los cuáles nos llevarían a una de las épocas más crudas de la historia: La Inquisición Española.

Así que tenemos una idea que atrae a los fans pero a la vez nuevas historias que podrían entretener tanto a ellos como a cualquier persona indiferente del videojuego, llega la hora de la verdad ¿Qué tan bien lo hizo?

Recuerdo que al jugar el videojuego lo más entretenido era el desarrollo de la trama en un determinado periodo de la historia, en mi caso empecé en la segunda entrega, ambientada durante en Renacimiento Italiano, y así en cada una de las entregas teníamos a los encapotados envueltos en aventuras distantes en el tiempo; creo que ese fue el punto más fuerte de las entregas: la ambientación histórica, más allá de solo ser relatos ficticios de asesinos fantásticos de una secta imaginaria, la ambientación nos permitía envolvernos en esos periodos tan intrigantes que las tramas conspiraóicas que nos entregaban eran igual de misteriosas y divertidas de ver, usaban la época para entretejer un argumento que se desarrollaba entre el misterio y ficción, argumentos que nos atrapaban y dejaban tiempo para empatizar con la época, los personajes y sus motivaciones, al construir buenas tramas en el pasado podíamos ver sus repercusiones en el futuro, lo cual complementaba la intriga que se creaba.

Lo que falla enormemente en la adaptación es eso: el tiempo que se da a cada una de las historias. La película es indecisa, quiere mostrarnos una trama inquietante en el futuro pero a la vez una trama intrigante en el pasado, quiere que nos sintamos atraídos por el protagonista Callem pero a su vez que nos sintamos impactados por la gran habilidad de Aguilar, su antepasado; hay tantas tramas que nos quieren mostrar que al final ninguna termina de empatizar con nosotros, por lo cual el nivel de atracción baja.

Vamos por partes: en el presente tenemos la historia de Callem, protagonizado por Michael Fassbender, él tiene conflictos y traumas con su padre por el asesinato de este hacia su madre, pasa su vida con esos conflictos hasta que cae prisionero por homicidio para luego ser "liberado" y terminar en empresas Abstergo. Una vez ahí descubrimos que el líder de la organización es Alan Rikkin, quien busca un artefacto llamado "El Fruto del Edén" origen del pecado del hombre. Para ello él y su hija Sophia (interpretada por Marion Cotillard) cuentan con decenas de descendientes de los Assasins, con los cuáles experimentan buscando dicho artefacto, estos prisioneros tienen problemas con Callem puesto que creen que en algún momento él los traicionará. Tan solo aquí tenemos 3 conflictos que luchan por ser el principal y que llevan a un ritmo avanzado, la creación apresurada de relaciones lo cual las hace poco creíbles y lo peor: resoluciones simples sin desarrollo de personajes. El ejemplo más claro de esto es Callem, quien tan solo en una sesión de entrada y salida del Ánimus pasa de ser el despreocupado individuo a ser el líder de un colectivo rebelde, sin desarrollo, sin credibilidad.

En la línea de tiempo del pasado las cosas no mejoran mucho, como mencioné, lo más importante y característico de los videojuegos era la ambientación, en cada uno de ellos la etapa histórica era sumamente importante para la trama, en esta ocasión no se siente así; se podría haber ambientado la trama en cualquier otro periodo histórico y sería exactamente lo mismo, no se aprovecha la estética ni los recursos que ofrece la etapa de la Inquisición Española, uno de los tiempos más oscuros e intrigantes de la historia. Además de esto, tampoco se logra empatizar con los personajes aquí, sabemos que los Assassins buscan proteger el Fruto a cualquier costa pero ¿Cuáles son sus motivaciones? más importante aún ¿Cuáles son las motivaciones de Aguilar? el personaje es simplemente hueco, sirve para las escenas de acción y espectacularidad visual, pero en sí no llegamos a conocerlo en ningún momento, ni sus relaciones con los demás, nada que nos pueda atraer en él como protagonista.

Volviendo a la línea del presente la recta final es realmente un despropósito, no solo el cambio radical de la conducta de Callem que se une al resto de asesinos sin ningún desarrollo del personaje; sino también la gran contradicción con el personaje de Sophia, quien en toda la película es consciente de lo que buscan y lo que planean hacer con el Fruto, y que sin embargo tiende a volverse "buena" por motivos incomprensibles, tal parece que en su intento de humanizarla se perdió credibilidad en el personaje.

¿Pudimos haber obtenido un mejor producto?

Después de tal avance sin freno de la película quiero preguntarme ¿Qué se pudo haber hecho para crear un mejor producto? No quiero dármelas de sabio y simplemente desacreditar esta película porque después de todo sí me entretuvo, como jugador de los videojuegos pude entender un poco mejor la historia o al menos lo que esta planteaba, pero aquellos espectadores ajenos a ellos conflictuarán a la hora de ver la cinta. En lo que Ubisoft tuvo que trabajar más es irónicamente en la simpleza, hacer la película entendible para todos, buscar una buena historia y contarla en vez de múltiples historias que se saturan unas a las otras.

¿Cómo hacer esto? pues sigo siendo partidario terco de la ambientación, para mí lo es todo, no es lo mismo contar una historia desarrollada en la Primera Guerra Mundial que en la Segunda Guerra, tampoco lo es en la Revolución Francesa que en el Renacimiento Italiano; cada época y etapa de la historia tiene sus propios fuertes y características que pueden ser usados por los guionistas para plantearnos una trama, valiéndose de la situación social, política y ética de determinado tiempo puedes llegar a crear un argumento tan entretenido que aunque rompa ciertos datos históricos envolverá y atrapará a la audiencia. 

Segundo, creo que una película enteramente en el pasado hubiera funcionado mejor, en su apuro de establecer bases para futuras secuelas (conociéndo a Hollywood es probable que lo hagan) y explicar todo, no explicaron nada; imaginémonos por un momento toda una película de los Assassins que transcurra totalmente en el pasado, explicándonos quiénes son, qué buscan, cómo planean lograrlo, por qué van contra los templarios; explicando todo esto y logrando que la audiencia entiendo y empatice perfectamente con ellos y sus objetivos. Ya al final de la película cuando la historia nos halla atrapado y creamos ingenuamente que es el final... la secuencia del presente aparece, dejando en claro que la historia no ha acabado, que hay mucho más por descubrir y que en la época contemporánea se sigue buscando el Fruto, aún existe, y que ellos están entre nosotros.

No puedo decir que con estas ideas la película hubiera funcionado mucho mejor, en primer lugar porque son solo opiniones y en definitiva un director o guionista experimentado debe conocer el terreno mucho mejor que yo, y en segundo porque sería una película totalmente distinta, mi propia visión de lo que debió haber sido, pero de nuevo, solo es una opinión. Assassin's Creed falla junto a las demás adaptaciones de videojuegos, haciéndonos esperar más por aquel trabajo que al fin logre captar lo mejor de ambos mundos, por ahora sabemos que esta entrega no es dicho trabajo, pero me mantendré a la espera con esperanza. Mi calificación final es de 3/10, a pesar de sus fallos cuenta con buenas actuaciones, escenas de persecución y acción increíbles y muy buenas coreografías.

Hablemos de: Alejandro González Iñárritu

¿Nunca han sentido como si el cine estuviera demasiado estilizado? Como si cierto conjunto de películas tuviera que tener obligatoriamente ciertos elementos para poder asegurar la ida de espectadores al cine y por consiguiente, el éxito deseado. Es obvio que un género consta justamente de eso, de ciertas características y elementos que se encargan de generar una sensación en común, ya sea la oscuridad y sonido tensionante en las películas de terror o las miradas esperanzadoras enmbellecidas con violín en los dramas.

Sin embargo lo que vengo a recalcar aquí no es la queja hacia dichos elementos, al contrario de ello, busco defender estos componentes puesto que creo que al día de hoy los géneros más que trabajarlos se han visto reducidos a ellos. Sin duda creo que los géneros más afectados por esto son el terror, la comedia y en cierta medida, el drama.

Es este último del que quiero hablarles hoy ya que veo cada vez más personas intolerantes hacia este apartado, la imagen predeterminada que tenemos de una familia rota pasando por problemas ante una pérdida, un extravío, o simplemente la aceptación de la vejez ha hecho que cada vez más personas tilden a esta variedad como "cursis", "aburridos" y muchas veces "predecibles" y no los culpo, pocas son las veces en que no vemos a la familia feliz ante un amanecer o atardecer con una nueva perspectiva de la vida que los ha hecho madurar espiritual y/o emocionalmente. Como dije antes, están muy estilizadas, maquilladas, reducidas hacia este tipo de tramas o personajes, tal es su simplificación que hasta los posters de estas películas son un cliché en sí.

Y es en este punto donde vengo a hablar de uno de mis directores favoritos: Alejandro González Iñárritu. Cada que veo una de sus películas estoy conciente de que veo un drama, y sin embargo lo siento diferente, siento que sus personajes, sus conflictos, sus tramas llegan más a mí que otros filmes del mismo género, logro una identificación mucho más profunda y por lo tanto una mayor empatía, lo que termina transmitiendo el conflicto de los protagonistas a nosotros con mayor intensidad.

Las primeras veces que vi sus películas sabía que había algo distinto, la estética, la sequedad de sus escenas, su crudeza, pero más allá de eso sentía algo más, solo que me constaba trabajo identificar qué. Después de explorar un poco más en su historia, su vida, sus opiniones y reflexiones y volver a ver sus películas una y otra vez me vi ante la respuesta que disipó mis dudas: humanidad. Sus personajes están cargados de una humanidad única que cuesta verla en otras historias, o al menos, que la expresen de la misma manera. Ahora, cuando me refiero a humanidad quiero que no nos confundamos en el término; "humanidad" es muchas veces vista como el lado bondadoso, carismático y caritativo de las personas, pero creo francamente que esa es una simplificación a la extensión total del término; "humanidad" implica todo lo relativo al sentir humano, un sentir que tal como puede hacernos crear cosas hermosas puede llevarnos a perpetuar grandes atrocidades, más allá del sentir compasión y alegría, la humanidad también es sentir ira y odio.

Y tal como mencioné antes, de los pocos que creo pueden captar esa humanidad es Iñárritu, y la forma más directa de hacerlo es a través de sus personajes. Usemos "Amores Perros" como ejemplo en esta ocasión. Para quienes no conocen la película es su primer largometraje estrenado en el año 2000 y retrata las distintas historias de tres protagonistas, estas se van entrelazando hasta llevar a un punto en común, un conflicto que afectará drásticamente los planes que todos tenían. A diferencia de otras cintas del género donde sentimos a los personajes como víctimas de un mundo injusto, donde pierden a su madre o esposa, donde la búsqueda de trabajo como corredor de bolsa se ve dificultada con la crianza de un hijo en los barrios bajos de New York, donde los protagonistas muestran lo mejor de sí para dar el ejemplo a su familia, amigos, compañeros o sociedad; en las historias de "Amores Perros" no es así, los protagonistas pueden ser tanto víctimas como victimarios.

Tomemos en cuenta la primera de las historias y mi favorita, la de Octavio y Susana. ¿Qué pensarían ustedes si supieran de un hombre que ama tanto a una mujer que está dispuesto a aceptar su pasado y todo lo que ello implica, incluyendo la responsabilidad de cuidar a su hijo? muchos lo verían como un acto puro de romance; pero no acaba ahí, el dinero con el que piensa cuidarlos es ganado ilegalmente: participando de peleas callejeras de perros. Preguntando a compañeros míos vi que la reacción cambia rápidamente, Octavio pasa de ser una persona romántica y valiente a un desgraciado maltratador animal, pero eso es justamente lo que me agrada de la película, no se expresa en términos de "bueno o malo" sino en el conflicto de un personaje que busca seguir hacia adelante, sin importar qué o quienes busquen detenerlo, lo que importa es si lo logrará más allá de la cuestión de si lo que hace es correcto o no; y muchas veces nosotros nos hemos visto envueltos en conflictos similares, donde tenemos que romper las reglas para poder adaptarlos y lograr nuestros objetivos.

Los personajes de Iñárritu no son perfectos, no son víctimas, no son "villanos" que busquen hacer daño a otros por el placer o por un acto egoísta, son personas con deseos, pasiones, miedos y luchas; que tienen que seguir adelante. En "Babel" somos testigos de la pacificación de una pareja deconstruida pero no de una manera fugaz o al contrario tediosa, son las condiciones extremas las que los llevan a la reconciliación. Por otro lado, la desgarradora historia que tiene lugar en Japón: Chieko, una adolescente sordomuda que solo quiere ser aceptada y querida en una ciudad tan llena de adolescentes que solo buscan diversión; esta fácilmente podría ser la trama de un drama adolescente que a la larga será olvidada y perderá popularidad, pero no es así, esta historia nos muestra que más allá de dramas adolescentes y conflictos juveniles la juventud también afronta sus problemas y sufrimientos. No se simplifica al típico "quiero ser querida y no encajo en ninguna parte" bajo el que se suele etiquetar tanto a los jóvenes como a sus historias.

La crudeza es también uno de los componentes del cine de Iñárritu y no es exclusivo de él, no es originario de él si quiera y no es necesario que lo sea para que nos impacte. No tiene miedo a mostrar las cosas tal como son ni romper estilos establecidos para crear grandes productos cinematográficos. Claro, también tiene la música melancólica y afligida acompañando sus imágenes, también tiene lágrimas y escenas de amor, también tiene romance y adolescentes; pero eso no es lo que hace un buen drama, no se ve reducido a eso, Iñárritu dota a sus historias de humanidad, sentimiento y desilusión, no es necesario mostrarnos protagonistas contentos al final de la película donde ya hayan entendido la vida y madurado emocionalmente; a veces los finales pueden presentarnos protagonistas tristes al borde del abismo (literal y metafóricamente) listos para madurar o en pleno conflicto que sabemos no será fácil de resolver, claro está ¿desde cuándo la vida fue fácil de resolver?

Y así como admiro el cine de este gran director y más específicamente su manejo de personajes, emociones y conflictos; quisiera algún día crear historias como él, historias que no caigan en clichés juveniles o dramas familiares del momento que pasan sin pena ni gloria por la cartelera. Alejandro G. Iñárritu es capaz de mostrarnos lo más profundo y hermoso en conflictos que podemos ver una y otra vez en el cine, pero con un toque de realidad que nos lleva a la más profunda empatía posible, y eso es lo que persigue justamente el cine: la capacidad de sentir junto con el protagonista, tarea que logramos gracias a este asombroso director.

Pecados de Cinéfilo: Akira

Hace unos días buscando en la biblioteca de mi instituto de inglés me topé con el primer tomo del manga "Akira", obra escrita y dibujada por Katsuhiro Otomo entre los años de 1982 y 1990, tomé dicho tomo de la estantería, me senté a leerlo e inmediatamente me vi atrapado por la atmósfera de la obra; su oscuridad, su desesperanza... los callejones de bajo mundo de esta ciudad donde viven jóvenes pandilleros motorizados entre drogas, sexo e inmundicia, me vi fascinado por Neo-Tokyo, su diseño y estructura sirve de gran escenario para una historia igual de atrapante, no hace falta ahondar en el manga para impactarnos, pues en los primeros paneles ya nos muestran un impactante contexto: una explosión nuclear desencadena la Tercera Guerra Mundial, 31 años después nos vemos inmersos en este distópico mundo llamada Neo-Tokyo.

Mientras más avanzaba en la historia más me intrigaba, a pesar de su acelerado ritmo (que muchas veces me dejaba deseando un mejor desarrollo) lo sentí mucho mejor estructurado que la película animada de nombre homónimo, estrenada en 1988 y dirigida por el mismo creador de la obra original. Esto me pareció curioso, a pesar de no agradarme la película, el manga me capturó con mucha más facilidad... y sí, tal como leyeron, no me gustó la película "Akira".

Como amantes del cine, muchas veces citamos a las mismas películas en nuestra propia lista de películas favoritas, muchas veces concordamos sobre qué cintas son obras maestras y cuáles no lo son. Pero hay veces en las que discrepamos, hoy en día muchos youtubers, blogueros y demás sacan con las mejillas sonrojadas sus videos y escritos con los llamados "Guilty Pleassures" donde hablan de aquellos trabajos menores o incluso "malos" que dio el cine que a ellos realmente les gustan, después de todo ¿quién no disfrutó inocentemente de algo que todos odian? Sin embargo está la otra cara de la moneda, de aquellos largometrajes que la crítica y el público aman, pero que a uno no llegan a gustarle y no se atreve a rebelar ello; cuántas veces por decir que tal o cual película no me ha gustado, los cinéfilos me han satanizado y criticado duramente, es un "pecado" para nosotros que no nos guste tal obra; pero es que es así, si algo no me llega a gustar tengo que decirlo, pero me gusta explicar por qué. La película con la que empezaré esta lista de "pecados" es "Akira" puesto que presenta en mí un gran contraste al admirar el manga, mas no la cinta.

Todos nos hemos equivocado alguna vez: The Lego Movie

Hace un mes salió al aire el trailer de la película "Lego Batman Movie" una cinta que nos mostrará al personaje de una manera muy infantil, hilarante y burlona en comparación a otras adaptaciones del personaje en la pantalla grande, haciendo burla incluso de dichas interpretaciones. Al ver el trailer no me gustó, me mostré repulsivo ante lo que veía, a pesar de ser una cinta enfocada totalmente a un público infantil se seguía viendo muy ridícula y no es necesario que algo sea absurdo para ser una buena cinta tanto para niños como para adultos, PIXAR ha demostrado claramente esto con sus historias.

Pero entonces recordé, hace unos años cuando me mostraron el trailer de "The Lego Movie" y cómo me mostré igual de repulsivo ante el avance, sus chistes y personajes me parecían absurdos, su trama nada rescatable, más de lo mismo y sin duda era para mí un intento desesperado de hacer dinero. Pero luego, al verla dos meses después de sus estreno, una noche aburrida de lunes sin nada que hacer, tuve que tragarme mis palabras... la película me encantó, si seguía siendo en muchas partes absurda y desesperante, pero la forma en que adaptaron la idea para que dé un resultado así de loco simplemente fue lo mejor que pudieron haber hecho.

Una vez en una reseña anterior que hice dije que lo más complicado a la hora de hacer películas como estas era la manera de adaptarlas, ¿cómo adaptar algo tan simple y volverlo una historia de 2 horas? este es el reto que afrontar los que buscan escribir algo en base a cosas como "emojis" o del tan simple juego de "TETRIS". Tienen que buscar cómo adaptarlas, ahora, teniendo que hacerlo con algo tan simple como "legos", los populares ladrillos de plástico de diversos colores y sus respectivos ambientes y personajes acorde a ellos, ¿qué historia podemos sacar de un montón de piezas y muñecos de plástico? la genialidad de la cinta llega al enfrentar este reto con creatividad, que es justamente el centro de toda la historia.

Hablemos de Michel Gondry

Hace una semana me dejaron de trabajo en grupo del curso de filosofía, consistía en hacer un video de máximo 3 minutos que explique los primeros enfoques filosóficos de la historia. Teníamos una semana de la cual 3 días no pudimos trabajar por motivos externos, eso nos dejaba con 4 días para grabar y editar un trabajo decente, teniendo apenas un mínimo conocimiento de grabación y uno aún más limitado de edición de video me pregunté a mi mismo: ¿Cómo podemos hacer un buen video en solo 4 días?

Con el tiempo en nuestra contra y la necesidad de hacer un video bueno para el curso llegué a estresarme pensando en la mejor forma de realizar el proyecto; teníamos un equipo de grabación muy básico y un editor de video penoso, la presión me mataba... hasta que dándole miles de vueltas al tema recordé una película que vi hace aproximadamente un año: "Be Kind Rewind"  de Michel Gondry. En ese momento se me fue todo el estrés y preocupaciones extremas, no necesitábamos tener los mejor equipos o el mejor editor para hacer un buen trabajo, al igual que muchas veces directores como Gondry crean maravillas con lo menos esperado nosotros podíamos. Fue así como el concepto de nuestro trabajo se basó en simplicidad y concisión, pero después de eso no me conformé, quería hablar de Michel Gondry, uno de mis directores favoritos y de los más inspiradores que uno puede conocer, lo hago ahora.

Mi género favorito

Hace unas noches me di la oportunidad de ver: "The Double" de Richard Ayoade, una película que trata sobre Simon James, y su monótona vida que cambia radicalmente al conocer a James Simon, su contraparte en todo sentido, es más arriesgado, extrovertido, conquistador y demuestra ser mucho más inteligente a sacar ventaja de muchas situaciones. Esto es un duro golpe para Simon ya que el nuevo personaje que entra a su vida terminará robándosela, llevándose los aplausos y la admiración que a él le debieron corresponder desde un principio. Lo entretenido de esta cinta es el reto de darle sentido, ya que al estar viéndola uno no puede evitar pensar en qué rayos es lo que acaba de ver u oír, ya que las imágenes y diálogos juegan mucho con nuestra percepción y nos hacen confundir a tal punto que empiezan los créditos y seguimos con muchas dudas; es un trabajo algo abstracto y definitivamente surrealista.

Y es así como al terminar de ver la película me invadieron ganas de hablar de ella, pero con el paso de los días los cuales se encargaron de matar esas ganas; surgieron otros deseos de escribir no solo de esta película, sino todo el género al que pertenece, mi género favorito: los thrillers psicológicos. Son en definitiva lo que más disfruto a la hora de elegir un película para ver en la noche, son divertidas, inquietantes, atrapantes y lo que es mejor, son un reto al espectador, un reto que ningún otro género puede brindar.

Cuando empezamos a ver películas de este género no sabemos qué podemos esperar más adelante, casi siempre nos introducen a protagonistas mentalmente alterados, otras nos presentan a unos personajes "sanos" que van descendiendo a la locura a medida que avanza la trama y esta presenta una perspectiva única del género: juega no solo con las mentes de los protagonistas, sino con las nuestras. Esto ayuda a generarnos aún más intriga ya que estamos tan perdidos como ellos, vamos de la mano con los personajes a tal punto que cada nueva revelación para ellos puede ser igual de poderosa para nosotros; esto es algo que siento particularmente en este tipo de cintas; otros géneros nos mostrarían un plano más general de lo que sucede, en cambio en estos thrillers nos muestran un punto de vista unilateral y subjetivo.

Para crear la sensación de desconcierto se usan elementos tanto narrativos como visuales y auditivos: desfragmentación narrativa, plot-twists, doble sentidos, escenarios claustrofóbicos, planos detallistas o planos más generales para detalles pequeños, sonido seco o a veces elevado para situaciones específicas. Un gran ejemplo del juego de planos es el que vemos en "Fight Club" o como lo conocemos en español El Club de la Pelea, de David Fincher, si vemos la imagen de abajo veremos un simple plano de un teléfono de cabina, sin embargo, hay un pequeño detalle ahí que nos puede ayudar a desentrañar el misterio que se va formando a medida que avanza la trama.

Otros directores enfocarían directamente este detalle para darnos entender qué es lo que anda mal, pero Fincher no lo hace, llena su película de pequeños detalles ocultos que nosotros mismos tenemos que buscar para poder resolver el enredo mental del protagonista, como dije antes este género presenta retos, al presentarlos, presenta interacción espectador-película. Es como armar un rompecabezas, el director te da las piezas, pero tú tienes que darle sentido.

Otro ejemplo de como los thrillers juegan con nuestra mente; esta vez enfocándonos en el plano narrativo: "Memento" de Christopher Nolan, esta es mi película favorita del director y de mis películas favoritas en general; trata sobre Leonard, un individuo que sufre de amnesia anterógrada, es decir, a partir del momento de su lesión cerebral no podrá crear nuevos recuerdos, olvidará todo lo que le pase al instante, cargando con esta deficiencia mental buscará al asesino de su mujer que al mismo tiempo es responsable de su lesión cerebral. La maestría de Nolan llega al momento de resolver la pregunta: ¿Cómo puedo  hacer para meter al espectador en la piel del personaje? la narrativa de la cinta es la respuesta, sin ánimo de spoilear a nadie les recomiendo que vean esta película para entender de lo que hablo.

"Black Swan" de Darren Aronofsky es otra cinta que me encantó, con gran música y muy buenos efectos visuales nos adentramos en la mente de Nina, bailarina de ballet cuyo gran sueño es interpretar al cisne negro en la representación de "El Lago de los Cisnes" pasión la cual la lleva a la locura. Con reflejos imposibles en el espejo y detalles pequeños esta película me hizo saltar del asiento más de una vez, hubo un detalle minúsculo y apenas perceptible que me gustó demasiado y quizás eso se debe a su sencillez, es una toma de no más de 10 segundos que nos va dando pequeños indicios de la psicosis de Nina, en un principio no tan obvia.

(Los que recuerden que pasa con este cuadro entenderán de que hablo)

Pero esta obra no surgió sola, varias de las imágenes que vemos empezaron a manera de dibujo a mano del gran Satoshi Kon, esta puede que no sea una sorpresa para muchos, pero para los que no lo sepan el trabajo de Aronofsky se vio muy influencia (y hasta inspirado diría yo) de la obra de Kon, director japonés que solo dirigió 4 películas anime, pero de las cuales "Perfect Blue" da ideas para "Black Swan". El argumento es en cierto punto similar, Mima Kirigoe (incluso los nombres son bastante similares) una cantante pop japonesa decide retirarse del mundo de la música para incursionar en del cine mediante la actuación. Sin embargo para lograr un trabajo perfecto y ser reconocida como una gran actriz atraviesa por una lucha psicótica con un asesino misterioso y contra sí misma. 

"Psicosis" de Hitchcock ya es un ejemplo de culto en el género. Fincher nos trae grandes cintas thriller también; "Gone Girl" o "Perdida" como se conoce en países hispano hablantes,"Se7en" otra no tan psicológica pero si con gran suspenso. "The Machinist", "Shutter Island", "American Psycho" y muchas más cintas de este género nos retuercen la mente y nos incitan a resolver el misterio que muchas veces no va más allá de la mente del protagonista, pero nosotros iremos de la mano con ellos en estos viajes surreales y abstractos que nos ofrecen grandes directores y guionistas de este tipo de cintas. 

Y este es el género que más disfruto, así sea que nos haga saltar del asiento o simplemente nos divierta retándonos como lo hace Tyler Durden en Fight Club, o nos cuenten un drama y una historia de amor y venganza como en Memento, los thrillers psicológicos son de lo mejor que nos pudo traer el mundo del cine, una experiencia intrigante cada que vamos al cine a ver cintas como estas nos adentran en su mundo no sólo para observar todo lo que sucede, sino para formar parte de ello.