Pecados de Cinéfilo: Pulp Fiction

Hace un tiempo inicié una sección en este blog donde hablaba de películas que a pesar de contar con la aprobación general del público y la crítica, no lograban convencerme. Películas que hoy en día son consideradas obras maestras y de las que se escriben, comentan y analizan múltiples veces; son parte del corazón colectivo de distintas comunidades cinéfilas que las pusieron sobre un altar, esto no tiene nada de malo claro está, todos tienen el derecho de formar sus propias opiniones ya sea concuerden o no con la opinión pública, el único capaz de moldear su opinión es uno mismo.

Y con el mismo nivel de importancia que el de tener un criterio propio está el derecho de poder expresarlo, de poco sirve tener una voz propia si no la usas. Es por eso que escribo sobre el tema que me ha traído más roces con otros fanáticos del cine: No me gusta "Pulp Fiction", tras oír esas palabras salir de mi boca un gran número de personas me ven atónitas y unas cuántas con desprecio, no los culpo, también me cuesta procesar cuando escucho opiniones similares de mis películas favoritas. De nuevo, no está mal tener opiniones propias, pero a cambio pido amablemente una explicación agradable y con argumento, aquí está la mía:

Hablemos de: Enter the Void

Mientras que la historia de película puede funcionar fluidamente, puede que su cinematografía no resalte, hay ocasiones en que un buen guion se filma con una simplicidad estática, plano tras plano tras plano, con movimientos básicos de cámara y expresión puramente actoral. Sin embargo hay cintas que realizando magistral uso de movimientos de cámara, fotografía y montaje, quedan grabadas en nuestras retinas, marcándonos con una imagen o secuencia que nos acompaña el resto de nuestra vida.

En mi caso la película que impregnó en mí el poder de sus imágenes es: "Enter the Void" de Gaspar Noé.

Recomendación: El Derecho y la Política van al Cine.

Creo que si dejamos a la religión de lado, no hay tema más frágil de tocar que la política. Ha estado presente desde el inicio de la humanidad, ya sea en poblados menores como en grandes imperios; la política es parte de nuestra vida (querámoslo o no). Como el arte es la representación metafórica y subjetiva de la vida es lógico entonces que se represente en más de una forma a la política en la pantalla de las salas de cine, ya sea como instrumento político, como detractor y amenazante de ciertas ideas y partidos políticos o simplemente como piezas de arte a las cuales podemos atribuirles significados políticos; queda en claro que tanto cine como política están adheridos a nuestra vida diaria y que nos vemos en gran medida influenciados por ambas.

Pero es también verdad que parecen ser polos opuestos, es mucho más disfrutable (a toda edad creo yo) ir al cine o relajarse en casa viendo películas que ver las largas horas de transmisión en vivo de debates en el ministerio o ver los resúmenes de jornada de los que nada entendemos en los noticieros. Preferimos ver a Batman pateando el trasero de mafias corruptas en vez ser nosotros quienes se encarguen de la corrupción en nuestra ciudad. Mucho de eso se debe a que la política no se deja entender, después de todo a qué político le gustaría que la población entienda qué es lo que se trae entre manos. Pero es en este punto donde el cine puede intervenir y re-dirigir la atención del público hacia lo que sucede en los senados, los ministerios y en las municipalidades de nuestra ciudad y lo mejor de todo, siendo accesible para todos.

"El Derecho va al Cine" y "La Política va al cine" son libros publicados por el Fondo Editorial de la Universidad del Pacífico, siendo sus editores Cecilia O'Neill de la Fuente en el caso del primero y de trabajo mutuo por Manuel Alcántara y Santiago Marini en el caso del segundo. Ambos libros son una recolección de artículos de distintos autores que dan sus interpretaciones y análisis a distintas películas de diversos géneros bajo una mirada jurídica, política y moral, permitiendo así que el cine sirva de instrumento de entendimiento y comprensión para los espectadores casuales y que estos puedan formar sus propias ideas a través de las cintas que ven en sus pantallas.

Retrospectiva: Estudios LAIKA

Técnicas clásicas en nuevos tiempos

El cine es un arte, quizás el más completo de todos, y como todo arte refleja la naturaleza del ser humano y siendo la naturaleza de este la innovación, el cine no puede verse ajeno a esto. En el cine animado hubo cambios significativos que marcaron un antes y un después, especialmente en las técnicas que se usa para llevar estas producciones a cabo.

Uno de los grandes hitos fue en 1995 con el estreno de "Toy Story" primera cinta animada enteramente por computadora que marcaría no sólo el inicio de PIXAR y su posterior reinado tanto en crítica como en taquilla, sino también impulsaría el gran salto de grandes empresas como Disney y Dreamworks a la animación en 3D, dejando de lado técnicas tradicionales como el 2D y Stop-Motion. Si bien hoy en día ambos estudios siguen produciendo cintas elaboradas con esta última técnica mencionada ("Frankenweenie" por Disney en 2012 y las múltiples películas de Dreamworks en alianza con Aardman Animations) es notable que el interés y financiamiento por este tipo de proyectos ha bajado.

Con todos los cambios en la industria y las preferencias de las grandes masas, nace en 2005 "LAIKA Studios", productora cinematográfica de filmes animados que más allá de apostar por la elaboración de sus proyectos en esta antigua técnica, busca reinventar e innovar la forma en que se la práctica. Hablamos de una productora que no tiene miedo a apostar por lo tradicional pero que a la vez le suma e integra una visión optimista y fresca. Los estudios LAIKA nacen a mediados de la década pasada, siendo financiada por Phil Knight (co-fundador de Nike) como ayuda para su hijo Travis, quien se haría cargo de la compañía hasta hoy en día. No fue hasta cuatro años después, en 2009, bajo el mando de Travis y la dirección de Henry Sellick, que se estrenaría su primer largometraje: "Coraline" y a partir de ese punto no habría vuelta atrás; las cosas mejorarían para LAIKA.

Ética y Estética de LAIKA Studios

"Un efecto especial es una herramienta, un medio para contar una historia.

Un efecto especial sin una historia es algo muy aburrido." - George Lucas

Puesto que el cine nació siendo un medio de entretenimiento puramente visual (el sonido en la grabación y proyección no llegaría hasta 1927) es obvio entonces que su objetivo desde siempre haya sido impactarnos por medio de los ojos, ofreciéndonos maravillas visuales que pueden asombrar, envolver y enamorar al espectador. Con el avance del CGI, esta meta se ha visto muchas veces cumplida además de ser superada por sí misma en múltiples ocasiones. Sin embargo reducir el cine a este apartado es una forma terrible de subestimar todo lo que el medio puede ofrecernos.

Cuando vemos una película de LAIKA, vemos composiciones visuales que se ensamblan gracias a la combinación de estas dos técnicas de animación, la filosofía de la compañía permite explorar los avances tecnológicos como un medio de ayuda y potenciación del arte en vez de un reemplazo a este. Una vez terminado el guion y storyboard, el equipo técnico se reúne para coordinar y encontrar una visión conjunta de la que será su próxima historia a filmar. Durante el proceso de fabricación de marionetas el personaje más importante es Georgina Hayns, supervisora y líder del departamento, el trabajo de esta división va desde el ensamblaje del esqueleto de los muñecos hasta la coloración de su ropa y piel. El siguiente video muestra el detallado trabajo que dan a este proceso.


Tengamos en cuenta que este proceso se lleva a cabo para al menos 30 muñecos por personaje, puesto que cada animador trabaja independientemente en su propia secuencia en cada uno de los cuartos ambientados para la filmación de las escenas, esta característica forma de trabajo se lleva a cabo porque creen que cada animador tiene su propio ritmo y forma de trabajar; es trabajo del equipo de efectos especiales (y posteriormente el de montaje) el unir todas las secuencias de distintos animadores para que la imagen y transiciones fluyan de manera natural.

Otro importante personaje que aportó al avance técnico del estudio es Brian McLean, quien con el uso del diseño en 3D, pudo darle a los personajes cantidad de expresiones, estas luego serían formadas por medio de las impresoras 3D. Así damos en gran salto desde "Coraline" que usaba 207,000 expresiones, a "ParaNorman" con 1.4 millones de expresiones, en "Boxtrolls" esta cifra aumentaría en un millón más y finalmente en "Kubo" el logro alcanzó la inmensa cantidad de 48 millones.

Toda la audacia e innovación técnica que se empeña en cada una de estas películas apuesta por más. Esto nos da garantía que sea cual sea el siguiente reto a afrontar para LAIKA, nos sorprenderán de la mejor manera.

Un repaso breve por sus películas

El año pasado LAIKA celebró su primera década de existencia con la salida de "Kubo and the Two Strings" siendo esta mi favorita y la más avanzada técnicamente. Con tan solo 4 cintas creo que las historias que nos han brindado han logrado hacerse de una buena cantidad de fanáticos y que cuentan con elementos y estética característicos. Sus historias no se limitan a la hora de mostrar imágenes algo perturbadoras tratándose de audiencias infantiles, algunos chistes son obviamente dirigidos dirigidos a audiencias mayores y todos los protagonistas que nos han presentado son niños algo desalineados con su entorno o sociedad: Coraline es una niña curiosa que vive constantemente siendo ignorada por sus padres, Norman es catalogado como el "raro" del colegio y es la burla de todos, Eggs fue criado por trolls toda su vida y evita relacionarse con humanos y por último tenemos a Kubo, hechizado con una maldición que le impide tener una familia y vida normales; todos ellos pasan por aventuras de trasformación logran hacernos pensar en un nivel más profundo.

Coraline (2009)

Caracterizada por su look gótico y ambiente espeluznante, "Coraline" nos cuenta la historia de una niña que ante la desatención de sus padres y la extravagancia de sus nuevos vecinos, decide explorar la misteriosa casa a la que acaban de mudarse y sus alrededores. Es así como descubre una puerta que la lleva hasta un mundo de fantasía, donde sus padres no sólo le prestan atención sino que tanto sus vecinos como la casa misma se tornan más vitales y divertidos.

Destaco la forma espeluznante en que retratan los ambientes y los personajes, siendo a la vez de tenebrosa, colorida y cuidada hasta el detalle. La historia también nos llama la atención sobre las relaciones padres-hijos, el abandono y el subsecuente rechazo a la realidad, siendo posible de ver también por un público más adulto y reflexivo. Ciertos detalles como el personaje de Wybe, que aparece cuando es conveniente para la trama, secuencias lentas y que poco aportan a esta y sobretodo la falta de desarrollo en los padres de Coraline impidieron que conecte del todo con la cinta. La califico con 7/10.

ParaNorman (2012)

Siguiendo con la estética macabra, "ParaNorman" tiende a irse esta vez por un look más Horror Vintage que caracteriza a las películas de terror de antaño. En la historia tenemos a Norman, un niño que puede hablar con los muertos y consecuencia de esto todos creen que está loco, tildándolo de raro y excluyéndolo de ellos. Es tarea de este singular protagonista detener a una bruja cuya maldición amenaza a los habitantes del pueblo.

Lo que más disfruto de esta entrega es la reflexión que nos ofrece por medio de su historia, temas como el rechazo, el miedo a lo distinto y el daño que podemos hacer a otros justamente por ello. Los personajes secundarios caen en ser clichés pero es cierto también que aprovechan para burlarse justamente de estos. La música y ambientación son ideales. Quizás mi mayor problema es que el conflicto y desarrollo de personajes sucede todo en una noche, he visto ya varias películas donde la trama sucede en apenas un día lo cual dificulta para mí convencerme de que el desarrollo y conflicto interno de los personajes se resuelva tan rápido. La califico con un 8/10.

Boxtrolls (2014)

La cinta que menos disfruté del estudio, siendo una propuesta interesante pero que para mí cayó en lo más básico de las historias infantiles. La historia sigue a Eggs, un niño que fue criado por pequeños trolls que viven en las alcantarillas y que usan sus cajas como las tortugas usan sus caparazones. Ante la llegada de unos exterminadores al pueblo victoriano, Eggs, los trolls y la hija del rey, Winnie; deberán hacerse cargo del problema.

Esta cinta se me hizo predecible desde los primeros veinte minutos, la motivación del villano principal Archival Santcher se siente muy ridícula y poco creíble, los secuaces de este desde un inicio se nota que se harán buenos en algún momento conveniente para la trama y la forma en que se desenvuelven los demás personajes se siente tal a la ligera que no causa impacto.

La califico con un 2/10.

Kubo and the Two Strings (2016)

Es su cuarta película y además su forma de celebrar su primera década de existencia ¡Y qué manera de celebrar! "Kubo and the Two Strings" o como se nombró en Latinoamérica "Kubo y la Búsqueda del Samurai" alcanza nuevos niveles técnicos, artísticos y estéticos que la hacen realmente única.

La historia nos habla de Kubo y la maldición que pesa sobre él, siendo su tarea encarar a su abuelo quien es un dios que no siente compasión por los humanos; se ve inmerso en una aventura donde tiene que recolectar todas las piezas de la armadura de un valiente samurái que dio su vida defendiendo lo que creía correcto. El guion es bien trabajado y nos permite empatizar con el protagonista, esto sin dejar de ser conscientes que es solo un niño, le gusta jugar divertirse como a cualquier otro y a pesar de las dificultades sigue sintiéndose tan valiente como real.

Visualmente hablando nos encontramos ante una maravilla de película, que combina muy bien el CGI y Stop-Motion, los escenarios creados para la cinta son bellos y bien trabajados, las escenas de acción son muy bien producidas, la paleta de colores es viva y atrapante y el soundtrack más que ser un adorno es una ayuda para la trama.

Lo único que me molestó un poco y siendo apenas algo menor fue la introducción del personaje del Escarabajo, quien parece de la nada querer unirse a la aventura, también el desenlace con el villano no alcanzó del todo mis expectativas, pero fuera de ello para mí la película es un 9/10.

¿Qué podemos esperar de LAIKA?

Tras un repaso breve por el trabajo y forma de producción de LAIKA, solo nos queda estar a la expectativa de un estudio que ha probado que en pleno Siglo XXI hay espacio para técnicas clásicas y animación digital, sacando el máximo provecho de cada una de ellas y viendo a futuro cómo superarse a sí mismos. Nos han probado que la tecnología y el arte pueden ir de la mano, a diferencia de muchos detractores que ven en CGI como un cáncer que limita y conforma el proceso artístico detrás de una película, hablando también con el otro lado que reduce el cine al uso de efectos especiales sin freno. LAIKA no parará, sean cual sean nuestras expectativas a futuro sobre esta compañía, las superarán, tal como vienen superándose a sí mismos en cada nuevo producción que hacen.

Reseña: La La Land

A finales de 2014 tuve la oportunidad de ver una película que inmediatamente quedaría entre mis cintas favoritas de los últimos años: "Whiplash" de Damien Chazelle, la historia de un baterista que soñaba con transcender en el mundo del jazz y dejar su marca en la historia, enfrentado a la malévola y catárquica presencia de un radical profesor de música cuyo objetivo en sus propias palabras era "Impulsar a las personas a ser más de lo que se espera de ellos". La cinta me emocionó especialmente por el conflicto moral que nos planetaba, la historia escrita por el propio director es aún una de mis favoritas.

Entonces me propuse seguir siempre el trabajo de Chazelle ya que para ser apenas su segundo filme y ya estar haciéndose camino en el mundo del cine, era un éxito realmente impresionante. En 2016 participó en la escritura del guion de "Cloverfield 10 Lane" cuya tensión psicológica entre los personajes realmente disfruté (a pesar de no quedarme muy convencido con el final). Y es ahora que finalmente llega a Perú su tercera película que además de ganarse el estar en boca de todos y ser recomendada una y otra vez, se llevó nada más que 7 Globos de Oro la noche anterior a su estreno aquí.

Este retrasado estreno fue realmente una tortura personal puesto que en distintas páginas web y grupos de cine se comentaba lo genial y divertida que era, y mientras otros países ya podían disfrutarla en sus salas de cine yo tuve que esperar semanas en las que tuve que tener cuidado para no arruinarme a mí mismo el entretenimiento de ver la película, puesto que la comunidad de internet está plagada de spoilers y opiniones que pueden influenciar fácilmente a uno.

Pero finalmente está aquí, ya pude verla y si bien no soy fanático de los musicales y apenas he visto tres en toda mi vida (y eso que solo fue porque no tenía nada más que ver) decidí arriesgarme a pagar una entrada para poder ver el trabajo de este ascendente director cuyo trabajo, como ya mencioné, admiro demasiado.

Quizás la más dura prueba por la que pasé (y de seguro muchos pasan) a la hora de ver un musical es la idea predeterminada que tenemos de ellos: alegres, vivaces, coloridas, radiantes y sobre todo románticas; ideas que luchamos por aceptar puesto que la vida real no es así, no es tan sencilla, no es tan simple como encontrar al amor de tu vida en un solo día o ver cumplidos tus sueños con apenas dificultades; son ideas falsas e inverosímiles pero que conservan cierto encanto y deseo, en el caso de los soñadores es incluso más, pero el verdadero logro de Chazelle con esta película no sólo es dejarnos llevar por este tipo de historias, sino llevarlas más allá.

Se habla muchas veces que el cine no se trata de contar historias sumamente originales, sino innovar la forma en que las cuentas, el poder de contar una historia conocida de manera única. En "La La Land" tenemos esa clase de argumento, si les contaran la historia sobre una joven soñadora que llega a Los Ángeles con el objetivo de ser actriz pero que vive constantemente las decepciones de un mundo que no aprecia su talento ¿Dirían que es una historia espléndida y original? claro que no, raya en ser un cliché; en otro ejemplo tenemos a la pareja protagonista que en un inicio no se llevan bien pero que por casualidades de la vida pasan una noche fantástica y desde entonces son los seres más románticos del mundo, también otro cliché, así que la trama de esta película no es del todo original, pero su forma de evolucionar y desarrollarse es fascinante.

Cautivación visual y sonora

Al entrar a la sala de cine a ver un musical uno sabe que habrá momentos alegres y divertidos con más de una escena cursi, y de hecho en un inicio "La La Land" es así. Veo esta cinta como una obra dividida en dos partes, la primera busca cautivarnos y sorprendernos con el despliegue visual, técnico y sonoro del cual Chazielle y su equipo técnico hacen uso sin freno y de manera magistral; la fotografía que nos ofrece Linus Sandgren es colorida, sólida, cuidada y estéticamente alegre. El manejo de cámaras en los planos secuencia está llenos de detalles y viveza que los ojos del espectador no pueden quedarse quietos ni aburrirse en ningún momento. Las canciones primaverales y joviales que sirven para imprimir simpatía en la historia

Las actuaciones de Emma Stone y Ryan Gosling como Mía y Sebastian son buenas. Tenemos tiempo para conocer a cada uno de ellos, sus miedos así como metas y aspiraciones y tanto Emma como Ryan entrar perfectamente en la piel de sus respectivos personajes (aunque como dije, estos son algo de cliché) y una vez que comparten pantalla juntos la química que surge entre ellos se siente natural y por ningún momento forzada.

Los personajes secundarios no son muy explorados en esta parte de la cinta ya que aportan poco o nada a la historia, logrando mantenerla simple y entendible para pasar a lo bueno.

Empatizamos más con los personajes

Hasta ahora todo bien, tenemos una historia entretenida pero común, alegre y expresiva pero por el momento nada que no veríamos en cualquier otro musical, todo es felicidad y amor. Es en la segunda parte donde creo que la historia avanza progresivamente hasta llegar al clímax que no dejará indiferente a nadie.

La primera parte sirvió para envolvernos y sentir la atmósfera de musical moderno pero con tintes de antaño. Pudimos conocer y sujetarnos a nuestros personajes pero es a partir de este punto que empezamos a empatizar seriamente con ellos, los conflictos se vuelven más complicados, sus miedos son más entendibles, su sufrimiento y amor se siente más real, hacemos una exploración psicológica por ellos y esto los vuelve más humanos, más reales. Los personajes secundarios ahora tienen un papel e influencia más relevante para la trama y el sentimentalismo se aborda de una manera más certera y relacional.

Aquí se rompe la ilusión de cuento de hadas que puede tener no solo cualquier musical sino también cualquier historia romántica. El cambio de entorno se construye (al igual que en la primera parte) a través de la estética y las canciones, aquí pude realmente empezar no sólo a creer en los personajes sino en familiarizarme con ellos.

Ciudad de Sueños

Primero nos cautivó el despliegue artístico de la película, que sirve como una invitación a su propio mundo y personajes; para luego pasar a la exploración y construcción de ellos y así avanzar progresivamente en una historia que cada vez tiene más dificultades, más realismo y más sentimiento. Todo esto para llegar a una de las mejores secuencias finales que he visto en mi vida.

"La La Land" no es una historia nueva, pero si es una historia bien contada, bien filmada, ejecutada y actuada. Las canciones, fotografía, guion, personajes y secuencias quedarán mucho tiempo en la memoria del colectivo cinéfilo y es una apuesta segura en muchas categorías de los Óscares que veremos en poco tiempo. Mi calificación es 9/10, recomendada.

Reseña: Assasins Creed (SPOILERS)

En el ya lejano año de 2010 tuve la oportunidad de jugar por primera vez una de las franquicias de videojuegos que más he seguido a lo largo de los años: "Assassin's Creed II" un juego que junto con su historia, jugabilidad, música y ambientación me fascinó, la rara idea de tener un videojuego al estilo de mundo abierto como GTA pero en distintas épocas de la historia de la humanidad pareció funcionar bien para Ubisoft, quienes se encargaron de llevar la franquicia al punto de la sobre explotación y el desenfreno. No soy un "gamer" experto en videojuegos e incluso ni soy el mayor fan de esta saga, sus primeras entregas me parecieron maravillosas e intrigantes pero nada más allá de ello.

Con el creciente intento de volver a producir películas basadas en videojuegos y además que están al fin encuentren la fórmula de funcionar bien; Ubisoft se arriesgó a sacar su propia adaptación de la popular saga, mas no se centraron en la recreación exacta de las tramas contadas en sus numerosas entregas, decidieron ir por un terreno relativamente nuevo, quedando del videojuego solo el concepto, mientras que los protagonistas, ambientaciones históricas y arcos argumentales se escribieron a partir de la propia imaginación e información del a cual se valían sus guionistas, los cuáles nos llevarían a una de las épocas más crudas de la historia: La Inquisición Española.

Así que tenemos una idea que atrae a los fans pero a la vez nuevas historias que podrían entretener tanto a ellos como a cualquier persona indiferente del videojuego, llega la hora de la verdad ¿Qué tan bien lo hizo?

Recuerdo que al jugar el videojuego lo más entretenido era el desarrollo de la trama en un determinado periodo de la historia, en mi caso empecé en la segunda entrega, ambientada durante en Renacimiento Italiano, y así en cada una de las entregas teníamos a los encapotados envueltos en aventuras distantes en el tiempo; creo que ese fue el punto más fuerte de las entregas: la ambientación histórica, más allá de solo ser relatos ficticios de asesinos fantásticos de una secta imaginaria, la ambientación nos permitía envolvernos en esos periodos tan intrigantes que las tramas conspiraóicas que nos entregaban eran igual de misteriosas y divertidas de ver, usaban la época para entretejer un argumento que se desarrollaba entre el misterio y ficción, argumentos que nos atrapaban y dejaban tiempo para empatizar con la época, los personajes y sus motivaciones, al construir buenas tramas en el pasado podíamos ver sus repercusiones en el futuro, lo cual complementaba la intriga que se creaba.

Lo que falla enormemente en la adaptación es eso: el tiempo que se da a cada una de las historias. La película es indecisa, quiere mostrarnos una trama inquietante en el futuro pero a la vez una trama intrigante en el pasado, quiere que nos sintamos atraídos por el protagonista Callem pero a su vez que nos sintamos impactados por la gran habilidad de Aguilar, su antepasado; hay tantas tramas que nos quieren mostrar que al final ninguna termina de empatizar con nosotros, por lo cual el nivel de atracción baja.

Vamos por partes: en el presente tenemos la historia de Callem, protagonizado por Michael Fassbender, él tiene conflictos y traumas con su padre por el asesinato de este hacia su madre, pasa su vida con esos conflictos hasta que cae prisionero por homicidio para luego ser "liberado" y terminar en empresas Abstergo. Una vez ahí descubrimos que el líder de la organización es Alan Rikkin, quien busca un artefacto llamado "El Fruto del Edén" origen del pecado del hombre. Para ello él y su hija Sophia (interpretada por Marion Cotillard) cuentan con decenas de descendientes de los Assasins, con los cuáles experimentan buscando dicho artefacto, estos prisioneros tienen problemas con Callem puesto que creen que en algún momento él los traicionará. Tan solo aquí tenemos 3 conflictos que luchan por ser el principal y que llevan a un ritmo avanzado, la creación apresurada de relaciones lo cual las hace poco creíbles y lo peor: resoluciones simples sin desarrollo de personajes. El ejemplo más claro de esto es Callem, quien tan solo en una sesión de entrada y salida del Ánimus pasa de ser el despreocupado individuo a ser el líder de un colectivo rebelde, sin desarrollo, sin credibilidad.

En la línea de tiempo del pasado las cosas no mejoran mucho, como mencioné, lo más importante y característico de los videojuegos era la ambientación, en cada uno de ellos la etapa histórica era sumamente importante para la trama, en esta ocasión no se siente así; se podría haber ambientado la trama en cualquier otro periodo histórico y sería exactamente lo mismo, no se aprovecha la estética ni los recursos que ofrece la etapa de la Inquisición Española, uno de los tiempos más oscuros e intrigantes de la historia. Además de esto, tampoco se logra empatizar con los personajes aquí, sabemos que los Assassins buscan proteger el Fruto a cualquier costa pero ¿Cuáles son sus motivaciones? más importante aún ¿Cuáles son las motivaciones de Aguilar? el personaje es simplemente hueco, sirve para las escenas de acción y espectacularidad visual, pero en sí no llegamos a conocerlo en ningún momento, ni sus relaciones con los demás, nada que nos pueda atraer en él como protagonista.

Volviendo a la línea del presente la recta final es realmente un despropósito, no solo el cambio radical de la conducta de Callem que se une al resto de asesinos sin ningún desarrollo del personaje; sino también la gran contradicción con el personaje de Sophia, quien en toda la película es consciente de lo que buscan y lo que planean hacer con el Fruto, y que sin embargo tiende a volverse "buena" por motivos incomprensibles, tal parece que en su intento de humanizarla se perdió credibilidad en el personaje.

¿Pudimos haber obtenido un mejor producto?

Después de tal avance sin freno de la película quiero preguntarme ¿Qué se pudo haber hecho para crear un mejor producto? No quiero dármelas de sabio y simplemente desacreditar esta película porque después de todo sí me entretuvo, como jugador de los videojuegos pude entender un poco mejor la historia o al menos lo que esta planteaba, pero aquellos espectadores ajenos a ellos conflictuarán a la hora de ver la cinta. En lo que Ubisoft tuvo que trabajar más es irónicamente en la simpleza, hacer la película entendible para todos, buscar una buena historia y contarla en vez de múltiples historias que se saturan unas a las otras.

¿Cómo hacer esto? pues sigo siendo partidario terco de la ambientación, para mí lo es todo, no es lo mismo contar una historia desarrollada en la Primera Guerra Mundial que en la Segunda Guerra, tampoco lo es en la Revolución Francesa que en el Renacimiento Italiano; cada época y etapa de la historia tiene sus propios fuertes y características que pueden ser usados por los guionistas para plantearnos una trama, valiéndose de la situación social, política y ética de determinado tiempo puedes llegar a crear un argumento tan entretenido que aunque rompa ciertos datos históricos envolverá y atrapará a la audiencia. 

Segundo, creo que una película enteramente en el pasado hubiera funcionado mejor, en su apuro de establecer bases para futuras secuelas (conociéndo a Hollywood es probable que lo hagan) y explicar todo, no explicaron nada; imaginémonos por un momento toda una película de los Assassins que transcurra totalmente en el pasado, explicándonos quiénes son, qué buscan, cómo planean lograrlo, por qué van contra los templarios; explicando todo esto y logrando que la audiencia entiendo y empatice perfectamente con ellos y sus objetivos. Ya al final de la película cuando la historia nos halla atrapado y creamos ingenuamente que es el final... la secuencia del presente aparece, dejando en claro que la historia no ha acabado, que hay mucho más por descubrir y que en la época contemporánea se sigue buscando el Fruto, aún existe, y que ellos están entre nosotros.

No puedo decir que con estas ideas la película hubiera funcionado mucho mejor, en primer lugar porque son solo opiniones y en definitiva un director o guionista experimentado debe conocer el terreno mucho mejor que yo, y en segundo porque sería una película totalmente distinta, mi propia visión de lo que debió haber sido, pero de nuevo, solo es una opinión. Assassin's Creed falla junto a las demás adaptaciones de videojuegos, haciéndonos esperar más por aquel trabajo que al fin logre captar lo mejor de ambos mundos, por ahora sabemos que esta entrega no es dicho trabajo, pero me mantendré a la espera con esperanza. Mi calificación final es de 3/10, a pesar de sus fallos cuenta con buenas actuaciones, escenas de persecución y acción increíbles y muy buenas coreografías.

Hablemos de: Alejandro González Iñárritu

¿Nunca han sentido como si el cine estuviera demasiado estilizado? Como si cierto conjunto de películas tuviera que tener obligatoriamente ciertos elementos para poder asegurar la ida de espectadores al cine y por consiguiente, el éxito deseado. Es obvio que un género consta justamente de eso, de ciertas características y elementos que se encargan de generar una sensación en común, ya sea la oscuridad y sonido tensionante en las películas de terror o las miradas esperanzadoras enmbellecidas con violín en los dramas.

Sin embargo lo que vengo a recalcar aquí no es la queja hacia dichos elementos, al contrario de ello, busco defender estos componentes puesto que creo que al día de hoy los géneros más que trabajarlos se han visto reducidos a ellos. Sin duda creo que los géneros más afectados por esto son el terror, la comedia y en cierta medida, el drama.

Es este último del que quiero hablarles hoy ya que veo cada vez más personas intolerantes hacia este apartado, la imagen predeterminada que tenemos de una familia rota pasando por problemas ante una pérdida, un extravío, o simplemente la aceptación de la vejez ha hecho que cada vez más personas tilden a esta variedad como "cursis", "aburridos" y muchas veces "predecibles" y no los culpo, pocas son las veces en que no vemos a la familia feliz ante un amanecer o atardecer con una nueva perspectiva de la vida que los ha hecho madurar espiritual y/o emocionalmente. Como dije antes, están muy estilizadas, maquilladas, reducidas hacia este tipo de tramas o personajes, tal es su simplificación que hasta los posters de estas películas son un cliché en sí.

Y es en este punto donde vengo a hablar de uno de mis directores favoritos: Alejandro González Iñárritu. Cada que veo una de sus películas estoy conciente de que veo un drama, y sin embargo lo siento diferente, siento que sus personajes, sus conflictos, sus tramas llegan más a mí que otros filmes del mismo género, logro una identificación mucho más profunda y por lo tanto una mayor empatía, lo que termina transmitiendo el conflicto de los protagonistas a nosotros con mayor intensidad.

Las primeras veces que vi sus películas sabía que había algo distinto, la estética, la sequedad de sus escenas, su crudeza, pero más allá de eso sentía algo más, solo que me constaba trabajo identificar qué. Después de explorar un poco más en su historia, su vida, sus opiniones y reflexiones y volver a ver sus películas una y otra vez me vi ante la respuesta que disipó mis dudas: humanidad. Sus personajes están cargados de una humanidad única que cuesta verla en otras historias, o al menos, que la expresen de la misma manera. Ahora, cuando me refiero a humanidad quiero que no nos confundamos en el término; "humanidad" es muchas veces vista como el lado bondadoso, carismático y caritativo de las personas, pero creo francamente que esa es una simplificación a la extensión total del término; "humanidad" implica todo lo relativo al sentir humano, un sentir que tal como puede hacernos crear cosas hermosas puede llevarnos a perpetuar grandes atrocidades, más allá del sentir compasión y alegría, la humanidad también es sentir ira y odio.

Y tal como mencioné antes, de los pocos que creo pueden captar esa humanidad es Iñárritu, y la forma más directa de hacerlo es a través de sus personajes. Usemos "Amores Perros" como ejemplo en esta ocasión. Para quienes no conocen la película es su primer largometraje estrenado en el año 2000 y retrata las distintas historias de tres protagonistas, estas se van entrelazando hasta llevar a un punto en común, un conflicto que afectará drásticamente los planes que todos tenían. A diferencia de otras cintas del género donde sentimos a los personajes como víctimas de un mundo injusto, donde pierden a su madre o esposa, donde la búsqueda de trabajo como corredor de bolsa se ve dificultada con la crianza de un hijo en los barrios bajos de New York, donde los protagonistas muestran lo mejor de sí para dar el ejemplo a su familia, amigos, compañeros o sociedad; en las historias de "Amores Perros" no es así, los protagonistas pueden ser tanto víctimas como victimarios.

Tomemos en cuenta la primera de las historias y mi favorita, la de Octavio y Susana. ¿Qué pensarían ustedes si supieran de un hombre que ama tanto a una mujer que está dispuesto a aceptar su pasado y todo lo que ello implica, incluyendo la responsabilidad de cuidar a su hijo? muchos lo verían como un acto puro de romance; pero no acaba ahí, el dinero con el que piensa cuidarlos es ganado ilegalmente: participando de peleas callejeras de perros. Preguntando a compañeros míos vi que la reacción cambia rápidamente, Octavio pasa de ser una persona romántica y valiente a un desgraciado maltratador animal, pero eso es justamente lo que me agrada de la película, no se expresa en términos de "bueno o malo" sino en el conflicto de un personaje que busca seguir hacia adelante, sin importar qué o quienes busquen detenerlo, lo que importa es si lo logrará más allá de la cuestión de si lo que hace es correcto o no; y muchas veces nosotros nos hemos visto envueltos en conflictos similares, donde tenemos que romper las reglas para poder adaptarlos y lograr nuestros objetivos.

Los personajes de Iñárritu no son perfectos, no son víctimas, no son "villanos" que busquen hacer daño a otros por el placer o por un acto egoísta, son personas con deseos, pasiones, miedos y luchas; que tienen que seguir adelante. En "Babel" somos testigos de la pacificación de una pareja deconstruida pero no de una manera fugaz o al contrario tediosa, son las condiciones extremas las que los llevan a la reconciliación. Por otro lado, la desgarradora historia que tiene lugar en Japón: Chieko, una adolescente sordomuda que solo quiere ser aceptada y querida en una ciudad tan llena de adolescentes que solo buscan diversión; esta fácilmente podría ser la trama de un drama adolescente que a la larga será olvidada y perderá popularidad, pero no es así, esta historia nos muestra que más allá de dramas adolescentes y conflictos juveniles la juventud también afronta sus problemas y sufrimientos. No se simplifica al típico "quiero ser querida y no encajo en ninguna parte" bajo el que se suele etiquetar tanto a los jóvenes como a sus historias.

La crudeza es también uno de los componentes del cine de Iñárritu y no es exclusivo de él, no es originario de él si quiera y no es necesario que lo sea para que nos impacte. No tiene miedo a mostrar las cosas tal como son ni romper estilos establecidos para crear grandes productos cinematográficos. Claro, también tiene la música melancólica y afligida acompañando sus imágenes, también tiene lágrimas y escenas de amor, también tiene romance y adolescentes; pero eso no es lo que hace un buen drama, no se ve reducido a eso, Iñárritu dota a sus historias de humanidad, sentimiento y desilusión, no es necesario mostrarnos protagonistas contentos al final de la película donde ya hayan entendido la vida y madurado emocionalmente; a veces los finales pueden presentarnos protagonistas tristes al borde del abismo (literal y metafóricamente) listos para madurar o en pleno conflicto que sabemos no será fácil de resolver, claro está ¿desde cuándo la vida fue fácil de resolver?

Y así como admiro el cine de este gran director y más específicamente su manejo de personajes, emociones y conflictos; quisiera algún día crear historias como él, historias que no caigan en clichés juveniles o dramas familiares del momento que pasan sin pena ni gloria por la cartelera. Alejandro G. Iñárritu es capaz de mostrarnos lo más profundo y hermoso en conflictos que podemos ver una y otra vez en el cine, pero con un toque de realidad que nos lleva a la más profunda empatía posible, y eso es lo que persigue justamente el cine: la capacidad de sentir junto con el protagonista, tarea que logramos gracias a este asombroso director.

Pecados de Cinéfilo: Akira

Hace unos días buscando en la biblioteca de mi instituto de inglés me topé con el primer tomo del manga "Akira", obra escrita y dibujada por Katsuhiro Otomo entre los años de 1982 y 1990, tomé dicho tomo de la estantería, me senté a leerlo e inmediatamente me vi atrapado por la atmósfera de la obra; su oscuridad, su desesperanza... los callejones de bajo mundo de esta ciudad donde viven jóvenes pandilleros motorizados entre drogas, sexo e inmundicia, me vi fascinado por Neo-Tokyo, su diseño y estructura sirve de gran escenario para una historia igual de atrapante, no hace falta ahondar en el manga para impactarnos, pues en los primeros paneles ya nos muestran un impactante contexto: una explosión nuclear desencadena la Tercera Guerra Mundial, 31 años después nos vemos inmersos en este distópico mundo llamada Neo-Tokyo.

Mientras más avanzaba en la historia más me intrigaba, a pesar de su acelerado ritmo (que muchas veces me dejaba deseando un mejor desarrollo) lo sentí mucho mejor estructurado que la película animada de nombre homónimo, estrenada en 1988 y dirigida por el mismo creador de la obra original. Esto me pareció curioso, a pesar de no agradarme la película, el manga me capturó con mucha más facilidad... y sí, tal como leyeron, no me gustó la película "Akira".

Como amantes del cine, muchas veces citamos a las mismas películas en nuestra propia lista de películas favoritas, muchas veces concordamos sobre qué cintas son obras maestras y cuáles no lo son. Pero hay veces en las que discrepamos, hoy en día muchos youtubers, blogueros y demás sacan con las mejillas sonrojadas sus videos y escritos con los llamados "Guilty Pleassures" donde hablan de aquellos trabajos menores o incluso "malos" que dio el cine que a ellos realmente les gustan, después de todo ¿quién no disfrutó inocentemente de algo que todos odian? Sin embargo está la otra cara de la moneda, de aquellos largometrajes que la crítica y el público aman, pero que a uno no llegan a gustarle y no se atreve a rebelar ello; cuántas veces por decir que tal o cual película no me ha gustado, los cinéfilos me han satanizado y criticado duramente, es un "pecado" para nosotros que no nos guste tal obra; pero es que es así, si algo no me llega a gustar tengo que decirlo, pero me gusta explicar por qué. La película con la que empezaré esta lista de "pecados" es "Akira" puesto que presenta en mí un gran contraste al admirar el manga, mas no la cinta.

Todos nos hemos equivocado alguna vez: The Lego Movie

Hace un mes salió al aire el trailer de la película "Lego Batman Movie" una cinta que nos mostrará al personaje de una manera muy infantil, hilarante y burlona en comparación a otras adaptaciones del personaje en la pantalla grande, haciendo burla incluso de dichas interpretaciones. Al ver el trailer no me gustó, me mostré repulsivo ante lo que veía, a pesar de ser una cinta enfocada totalmente a un público infantil se seguía viendo muy ridícula y no es necesario que algo sea absurdo para ser una buena cinta tanto para niños como para adultos, PIXAR ha demostrado claramente esto con sus historias.

Pero entonces recordé, hace unos años cuando me mostraron el trailer de "The Lego Movie" y cómo me mostré igual de repulsivo ante el avance, sus chistes y personajes me parecían absurdos, su trama nada rescatable, más de lo mismo y sin duda era para mí un intento desesperado de hacer dinero. Pero luego, al verla dos meses después de sus estreno, una noche aburrida de lunes sin nada que hacer, tuve que tragarme mis palabras... la película me encantó, si seguía siendo en muchas partes absurda y desesperante, pero la forma en que adaptaron la idea para que dé un resultado así de loco simplemente fue lo mejor que pudieron haber hecho.

Una vez en una reseña anterior que hice dije que lo más complicado a la hora de hacer películas como estas era la manera de adaptarlas, ¿cómo adaptar algo tan simple y volverlo una historia de 2 horas? este es el reto que afrontar los que buscan escribir algo en base a cosas como "emojis" o del tan simple juego de "TETRIS". Tienen que buscar cómo adaptarlas, ahora, teniendo que hacerlo con algo tan simple como "legos", los populares ladrillos de plástico de diversos colores y sus respectivos ambientes y personajes acorde a ellos, ¿qué historia podemos sacar de un montón de piezas y muñecos de plástico? la genialidad de la cinta llega al enfrentar este reto con creatividad, que es justamente el centro de toda la historia.

Hablemos de Michel Gondry

Hace una semana me dejaron de trabajo en grupo del curso de filosofía, consistía en hacer un video de máximo 3 minutos que explique los primeros enfoques filosóficos de la historia. Teníamos una semana de la cual 3 días no pudimos trabajar por motivos externos, eso nos dejaba con 4 días para grabar y editar un trabajo decente, teniendo apenas un mínimo conocimiento de grabación y uno aún más limitado de edición de video me pregunté a mi mismo: ¿Cómo podemos hacer un buen video en solo 4 días?

Con el tiempo en nuestra contra y la necesidad de hacer un video bueno para el curso llegué a estresarme pensando en la mejor forma de realizar el proyecto; teníamos un equipo de grabación muy básico y un editor de video penoso, la presión me mataba... hasta que dándole miles de vueltas al tema recordé una película que vi hace aproximadamente un año: "Be Kind Rewind"  de Michel Gondry. En ese momento se me fue todo el estrés y preocupaciones extremas, no necesitábamos tener los mejor equipos o el mejor editor para hacer un buen trabajo, al igual que muchas veces directores como Gondry crean maravillas con lo menos esperado nosotros podíamos. Fue así como el concepto de nuestro trabajo se basó en simplicidad y concisión, pero después de eso no me conformé, quería hablar de Michel Gondry, uno de mis directores favoritos y de los más inspiradores que uno puede conocer, lo hago ahora.

Mi género favorito

Hace unas noches me di la oportunidad de ver: "The Double" de Richard Ayoade, una película que trata sobre Simon James, y su monótona vida que cambia radicalmente al conocer a James Simon, su contraparte en todo sentido, es más arriesgado, extrovertido, conquistador y demuestra ser mucho más inteligente a sacar ventaja de muchas situaciones. Esto es un duro golpe para Simon ya que el nuevo personaje que entra a su vida terminará robándosela, llevándose los aplausos y la admiración que a él le debieron corresponder desde un principio. Lo entretenido de esta cinta es el reto de darle sentido, ya que al estar viéndola uno no puede evitar pensar en qué rayos es lo que acaba de ver u oír, ya que las imágenes y diálogos juegan mucho con nuestra percepción y nos hacen confundir a tal punto que empiezan los créditos y seguimos con muchas dudas; es un trabajo algo abstracto y definitivamente surrealista.

Y es así como al terminar de ver la película me invadieron ganas de hablar de ella, pero con el paso de los días los cuales se encargaron de matar esas ganas; surgieron otros deseos de escribir no solo de esta película, sino todo el género al que pertenece, mi género favorito: los thrillers psicológicos. Son en definitiva lo que más disfruto a la hora de elegir un película para ver en la noche, son divertidas, inquietantes, atrapantes y lo que es mejor, son un reto al espectador, un reto que ningún otro género puede brindar.

Cuando empezamos a ver películas de este género no sabemos qué podemos esperar más adelante, casi siempre nos introducen a protagonistas mentalmente alterados, otras nos presentan a unos personajes "sanos" que van descendiendo a la locura a medida que avanza la trama y esta presenta una perspectiva única del género: juega no solo con las mentes de los protagonistas, sino con las nuestras. Esto ayuda a generarnos aún más intriga ya que estamos tan perdidos como ellos, vamos de la mano con los personajes a tal punto que cada nueva revelación para ellos puede ser igual de poderosa para nosotros; esto es algo que siento particularmente en este tipo de cintas; otros géneros nos mostrarían un plano más general de lo que sucede, en cambio en estos thrillers nos muestran un punto de vista unilateral y subjetivo.

Para crear la sensación de desconcierto se usan elementos tanto narrativos como visuales y auditivos: desfragmentación narrativa, plot-twists, doble sentidos, escenarios claustrofóbicos, planos detallistas o planos más generales para detalles pequeños, sonido seco o a veces elevado para situaciones específicas. Un gran ejemplo del juego de planos es el que vemos en "Fight Club" o como lo conocemos en español El Club de la Pelea, de David Fincher, si vemos la imagen de abajo veremos un simple plano de un teléfono de cabina, sin embargo, hay un pequeño detalle ahí que nos puede ayudar a desentrañar el misterio que se va formando a medida que avanza la trama.

Otros directores enfocarían directamente este detalle para darnos entender qué es lo que anda mal, pero Fincher no lo hace, llena su película de pequeños detalles ocultos que nosotros mismos tenemos que buscar para poder resolver el enredo mental del protagonista, como dije antes este género presenta retos, al presentarlos, presenta interacción espectador-película. Es como armar un rompecabezas, el director te da las piezas, pero tú tienes que darle sentido.

Otro ejemplo de como los thrillers juegan con nuestra mente; esta vez enfocándonos en el plano narrativo: "Memento" de Christopher Nolan, esta es mi película favorita del director y de mis películas favoritas en general; trata sobre Leonard, un individuo que sufre de amnesia anterógrada, es decir, a partir del momento de su lesión cerebral no podrá crear nuevos recuerdos, olvidará todo lo que le pase al instante, cargando con esta deficiencia mental buscará al asesino de su mujer que al mismo tiempo es responsable de su lesión cerebral. La maestría de Nolan llega al momento de resolver la pregunta: ¿Cómo puedo  hacer para meter al espectador en la piel del personaje? la narrativa de la cinta es la respuesta, sin ánimo de spoilear a nadie les recomiendo que vean esta película para entender de lo que hablo.

"Black Swan" de Darren Aronofsky es otra cinta que me encantó, con gran música y muy buenos efectos visuales nos adentramos en la mente de Nina, bailarina de ballet cuyo gran sueño es interpretar al cisne negro en la representación de "El Lago de los Cisnes" pasión la cual la lleva a la locura. Con reflejos imposibles en el espejo y detalles pequeños esta película me hizo saltar del asiento más de una vez, hubo un detalle minúsculo y apenas perceptible que me gustó demasiado y quizás eso se debe a su sencillez, es una toma de no más de 10 segundos que nos va dando pequeños indicios de la psicosis de Nina, en un principio no tan obvia.

(Los que recuerden que pasa con este cuadro entenderán de que hablo)

Pero esta obra no surgió sola, varias de las imágenes que vemos empezaron a manera de dibujo a mano del gran Satoshi Kon, esta puede que no sea una sorpresa para muchos, pero para los que no lo sepan el trabajo de Aronofsky se vio muy influencia (y hasta inspirado diría yo) de la obra de Kon, director japonés que solo dirigió 4 películas anime, pero de las cuales "Perfect Blue" da ideas para "Black Swan". El argumento es en cierto punto similar, Mima Kirigoe (incluso los nombres son bastante similares) una cantante pop japonesa decide retirarse del mundo de la música para incursionar en del cine mediante la actuación. Sin embargo para lograr un trabajo perfecto y ser reconocida como una gran actriz atraviesa por una lucha psicótica con un asesino misterioso y contra sí misma. 

"Psicosis" de Hitchcock ya es un ejemplo de culto en el género. Fincher nos trae grandes cintas thriller también; "Gone Girl" o "Perdida" como se conoce en países hispano hablantes,"Se7en" otra no tan psicológica pero si con gran suspenso. "The Machinist", "Shutter Island", "American Psycho" y muchas más cintas de este género nos retuercen la mente y nos incitan a resolver el misterio que muchas veces no va más allá de la mente del protagonista, pero nosotros iremos de la mano con ellos en estos viajes surreales y abstractos que nos ofrecen grandes directores y guionistas de este tipo de cintas. 

Y este es el género que más disfruto, así sea que nos haga saltar del asiento o simplemente nos divierta retándonos como lo hace Tyler Durden en Fight Club, o nos cuenten un drama y una historia de amor y venganza como en Memento, los thrillers psicológicos son de lo mejor que nos pudo traer el mundo del cine, una experiencia intrigante cada que vamos al cine a ver cintas como estas nos adentran en su mundo no sólo para observar todo lo que sucede, sino para formar parte de ello.

Reseña: CIVIL WAR (Spoilers)

Durante los últimos años nos hemos visto bombardeados de películas de superhéroes, vivimos en pleno "boom" de este género y eso hace cada vez más difícil no fallar a la hora de satisfacer a las audiencias; esto demanda que el género se renueve, que busque nuevas maneras de hacer sus películas y también nuevas formas de contar sus historias que nos pueden contar. MARVEL si bien a venido haciendo cintas superheróicas que acumulan milllones de espectadores en las salas de cine, ha llegado a un punto de estancamiento, que empieza a aburrir mucho, sus últimas cintas siguen siempre la misma fórmula y comenten los mismos errores. Pero en este estudio se encuentran dos personas que hacen las cosas distintas y agradesco que lo hagan: Los hermanos Russo.

Ellos ya nos mostraron hace unos años con "Captain America: Winter Soldier" que MARVEL puede hacer mucho más que cintas formulistas y predecibles, llegando ahora con "Captain America: Civil War" a reformular sino bien el género, si al U.C.M. Estamos ahora ante una película mucho más seria y más madura que las que hemos visto antes de la misma compañía y me atrevo a decir, una de las mejores del género.

Comencemos con los personajes, ya que la interacción entre ellos es lo que más me gustó de la película en especial la de Tony Stark, de todo el universo cinematográfico siempre fue uno de mis favoritos, pero lamentablemente a medida que avanzaban las cintas el personaje se volvió más un payaso que servía para hacer chistes de pastelazo, esto en escenas serias para quitarles dramatismo, esto a tal punto que cansaba. Pero aquí no, agradesco al cielo que nos damos un descanso de IronMan y por fin podemos ver un poco más a Tony, el hombre dentro del traje, esta vez más maduro y más centrado, con un objetivo fijo y una forma de pensar más analítica. Disfruté mucho ver a este personaje defendiendo su ideología en una primera instancia con palabras antes que con golpes, demostrando así que no quiere hacer el bien por el simple hecho de hacerlo, sino busca hacerlo de la mejor manera (al menos para él) demostrándonos que es más que una armadura que da golpes a lo bruto para salvar el día.

El guión se preocupa en situar a cada personaje en su bando, ninguno de ellos se siente fuera de lugar ya que vemos sus creencias e ideas, haciendo que luchen por el bando que más les paresca correcto. Vision y Wanda tienen una interacción agradable, a pesar de formarse un notable vínculo entre ellos se ve también el conflicto que los separa y eso genera un debate interno envolvente, y este solo es uno de los muchos ejemplos de esto; Ant-man, Hawkeye, Falcon, War Machine, Black Widow, todos tiene una razón de estar en el bando que están, comprendemos sus percepciones y por lo tanto comprendemos sus sacrificios, entedemos bien de esta manera el porqué del conflicto. Un gran aplauso para los guionistas.

Hablemos ahora de las dos grandes apariciones debút de esta película: Black Panter y Spider-man. En el caso del primero hablamos de una muy buena entrada al U.C.M. ya que al igual que los otros personajes, tiene una razón de ser, sus motivaciones, sus ideas se entienden, se comprende y se empatiza con el personaje; la manera en que nos lo intoducen además forma grandes espectativas en el público para verlo en futuros proyectos.

Y mi superhéroe favorito de MARVEL: Spider-man, a diferencia del anterior personaje no cuenta con una introducción muy lógica que digamos, es tan simple como que un adolescente llegue a su casa después de la escuela (aunque sabemos que probablemente este llegando de salvar el día) y un héroe multimillonario le ofresca formar parte de su equipo. Así de simple, así de rápida fue su unión al equipo, lo cual se siente poco real o simplemente forzado, un punto algo chocante en el guión.

Pero hablando de su aparición ya como el arácnido más que como Peter Parker... me encantó, tiene la esencia del trepamuros en cada momento de la batalla, su sarcasmo, su ironía, su forma de hacer que hasta cuando recibe un golpe o salga dañado siga dándonos risa encantó y encantará a muchos. Lástima es que al igual que se nos presentó se nos quita de la pantalla tan banalmente: "Terminó tu trabajo, adiós".

Pero si hay un personaje del cual no podemos decir lo agradable que fue a diferencia de los dos anteriores; ese es el villano: Barom Zemo. MARVEL sigue teniendo problemas para traenos un villano memorable, hasta ahora todos ellos (con exepción de Loki) han durado apenas una película y son tan desechables como una bolsa de pañales sucios. No se entiende qué es lo que desea en toda la película y su única motivación por un largo momento es: "Me gusta ver a los imperios caer" algo que se ha dicho mil veces en todo tipo de películas de acción, poco original y poco fuerte es su motivación; eso hasta que llegamos al final, donde se nos justifica con la historia de su venganza... pero sin impacto alguno, perdió (al igual que millones) a su familia en uno de los múltiples enfrentamientos que protagonizan los Vengadores. Pero después de eso no se explica como llegó a tener tanto poder, de qué manera llegó a obtener los recursos necesarios para llevar a cabo tan complicado plan, de esa manera incluso yo puedo volverme una amenaza internacional con el simple hecho de querer vengar una muerte cercana.

Algo que sí me pareció irónico fue el de hecho de que, si bien los espectadores hemos formado ya un cariño especial hacia estos personajes, deseaba en algún momento la muerte de uno de ellos, independientemente de mi bando (soy un fiel seguidor del #TeamIronMan) quería que se le impregne aún más seriedad y amenaza a esta cinta, ya sea siguiendo la historia de la muerte de Steve Rogers, o un plot-twist mostrándonos el perecimiento de Tony Stark; quice que MARVEL se atreviera a tomar riesgos y mostranos lo real y peligrosa que ha sido esta guerra en su universo, y esto no hay mejor forma de lograrlo que quebrando la moralidad de los personajes para demostrarnos que: el lado correcto nunca es fácil de elegir, a veces el medio para hacer lo correcto no es necesariamente uno de esta naturaleza. 

Y concluyendo entonces con mi opinión de "Captain America: Civil War" es una de las grandes películas del año, la cual ha demostrado que MARVEL puede hacer cosas mucho más serias y expandir su forma de hacer películas, algo que siendo totalmente honesto me duele un poco en el orgullo DC'ita que llevo dentro, ya que la compañía de mi agrado y cariño total: DC ha estado tambaleando a la hora de realizar sus propios proyectos cinematográficos. Pero siendo fiel a mi pensamiento de que si bien la comparación surge espontáneamente; esta no debe ser motivo de sesgos ni odio entre fanáticos, agradezco tener ambas compañías para brindarnos por muchos años muchas más películas del género y sobretodo: que se reinventen a la hora de plasmar sus paneles de cómic en la cinta de video. Mi calificación final es 9/10, recomendadísima.

NOTA 1: Estoy seguro que no soy el único al que se le hace raro ver a una Tía May tan joven, me sacó de onda.

NOTA 2: Creo que la gente de MARVEL es muy poco creativa a la hora de querer disfrazar a sus héroes de civiles, esto ya se ha vuelto el uniforme oficial.

Recomendación: Every Frame of Painting

Compramos la entrada, la comida, pasamos a la sala de cine, nos sentamos y acomodamos lo más placenteramente en nuestros asientos, intentamos no comer las palomitas antes de que empiece la función pero casi siempre fracasamos, disfrutamos de los avances de futuros estrenos que nos volverán a llevar a la misma experiencia en una sala de cine semanas más adelante; y es que hay pocos placeres en esta vida tan agradables como ir al cine, por dos horas o más los problemas son de otros, los sentimientos, actuaciones, imágenes, música y diálogos se combinan en un determinado tiempo de metraje transportándonos a otro mundo y creando un producto único.

Pero olvidamos que muchas veces lo más complejo y hermoso como el cine no es nada más que información, lo más básico del mundo: información. Nunca dejamos de recibirla, desde que nacemos nuestros sentidos son bombardeados de información visual, auditiva, olfativa, táctil y demás; cada instante de nuestras vidas estamos recibiendo toneladas de datos informativos que pasan a nuestro alrededor sin ser conscientes de ello. Al ver una película pasa lo mismo y es aqui justamente donde los directores tienen que ser creativos, buscar la manera correcta de que la información llegue a nuestros cerebros. Suena sencillo ¿verdad? al ser automáticamente receptores de esta simplemente podríamos ver u oír cualquier cosa y entenderla, pero ese no es el caso. un director tiene que saber estructurar la información, no simplemente lanzárnosla en una imagen o banda sonora por el hecho de hacerlo; tiene que encontrar la forma en que la imagen, el sonido, las actuaciones, el uso de cámaras, el uso de música y demás elementos se integren de manera correcta, sin resultar ni muy vagos ni muy sobrecargados.

¿A qué quiero llegar con todo esto? a demostrar que el cine no se hace por hacer, hay todo un proceso estricto detrás de él que aunque pocas veces notemos es esencial para la forma en que percibimos una película, no es lo mismo usar cierto tipo de toma o corte que usar otro, cada cosa tiene un propósito y una forma de usarse, y no hubiera podido comprender eso sino fuera por Tony Zhou y su canal de YouTube: Every Frame of Painting.

Cuando empecé a escribir este blog lo hice con el motivo de hablar de lo que más me gusta y apasiona; el cine, pero no solo quería quedarme en hacer reseñas o recomendaciones, sino todo aquello relacionado al cine que nos ayude a tener una visión más extensa y profunda del tema, por eso el día de hoy recomiendo no una película, sino todo un canal de YouTube enfocado a una cosa: análisis cinematográfico. No son reseñas, no son críticas ni opiniones de cintas ni mucho menos se enfoca en el guión o historia de estas; se enfoca completamente en la cinematografía de una.

Y esto me pareció totalmente genial y útil al empezar a ver sus videos ya que muchos canales que sigo en YouTube dan completa atención a reseñar las cintas preocupándose más en la historia y si es entretenida para el público que en lo que hay detrás de la película en sí, y esto no es para nada malo, pero encontrar este canal que presta especial atención en cómo hacer una película y cómo afecta a la audiencia el determinado uso de distintos recursos cinematográficos me encantó desde el primer instante. Uno de mis videos favoritos, el que puse arriba realmente me impactó al ver cómo se puede prescindir del diálogo para lograr el efecto cómico que queremos inducir a la audiencia, otro, enfocado en el trabajo de Satoshi Kon nos habla de la importancia de las transiciones y cómo estas pueden ayudar a que el ritmo del largometraje no decaiga. Sin duda el que admiré mucho más y me pareció muy útil para que jóvenes como yo, que nos gusta el cine y quieren hacerlo es el orientado a explicarnos el uso de balance en la imagen mediante la cinta: "Drive" dirigida por Nicolas Winding Refn.

Tony nos demuestra que no necesitamos drones, o grúas, o los mejores efectos digitales para hacer una gran película, lo que necesitamos es una cámara y el ingenio y creatividad necesarios para mostrar las cosas de una manera única y especial mediante la imagen, que después de todo es lo más vital del cine; hubo un tiempo en que este era mudo y no había diálogos, ante esto los directores necesitaban experimentar y bucar nuecas formas de que el público llegue a entender lo que sucedía en pantalla, lo que siente o piensa el personaje, para eso utilizaban movimientos de cámara, gestos mucho más expresivos en los actores y música, hoy en día aún se usan estos recursos pero muchas veces de la manera  inadecuada o si no se usan llegan a darle una sensación de aburrimiento al producto final, esto sumando a los extensos y muchas veces abusados diálogos abruman más que diverten. 

Ya lo dijo Alfred Hitchcock una vez: "Generalmente, el diálogo es inútil" siempre quedará grabada en nuestra memoria una secuencia, una toma que nos marcará para siempre y que volverá de una cinta cualquiera para otros en la película favorita para nosotros.

Hoy en día Tony nos dice lo mismo y lo explica de manera dinámica y divertida con sus videos, subtitulados en español para nuestra comprensión y llenos de buenos consejos y tips para hacer nuestra propia película y sino, poder disfrutar más el cine al tener un conocimiento mucho más profundo de ello.

Todos nos hemos equivocado alguna vez: La Asombrosa Vida de Walter Mitty

Los prejuicios son parte de nosotros, son parte de la humanidad, nadie puede vivir sin tener si siquiera un pequeño prejuicio dentro suyo; y el cine no se salva de ellos tampoco, todos nos burlamos y damos por hecho que la próxima película de Michel Bay será basura millonaria, todos sabemos ya desde el trailer que la nueva película de Adam Sandler será un comedia más del montón. Y yo también tengo prejuicios, ver el siguiente proyecto de James Franco o el de Zach Galifianakis no me llama para nada la atención, siento que actores como estos (en especial Zach) casi siempre hacen el mismo papel en todas sus películas, lo que me lleva a no esperar nada de ellos o incluso a esperar algo malo.

Pero siempre habrá un largometraje que rompa esa regla, que de alguna manera nos demuestre que cierto director, actor, guionista o incluso que todo un estudio de cine puede ofrecer mejores productos, que si se enfoca bien puedes llegar a ver maravillas en el cine. En mi caso esta película es: "The Secret Life of Walter Mitty" en español, La Asombrosa Vida de Walter Mitty.

¿Por qué? ¿A qué se debe que haya subestimado esta cinta y sobre todo que ahora me guste y quiera hablar de ella? obviamente lo primero que vi en los trailers fue a Ben Stiller, actor del cual ninguno de sus trabajos me gustaron, tampoco los odié, simplemente me parecían de lo más olvidable. Además de esto los primeros adelantos me prometían una historia enfocada en la crisis de la mediana edad, en donde un trabajador aburrido quiere ser algo más y lo logra de una manera simplona y en clichés de comedias románticas... pero no fue así, juzgué muy mal la película a base solamente del actor y unos cuantos adelantos en los cuales si bien mostraban la historia base, no llegaron a interesarme en la forma de contar la historia.

Y fue así que una noche aburrido me recomendaron verla y me negué, pero algo dentro de mí me dijo que le dé una oportunidad y ahora agradesco a esa parte mía que lo hizo. Para empezar, la historia es muy conocida ya que recurre mucho en los ejemplos que he dado: las comedias románticas, pero todo avanza más cuando te enteras que Walter, personaje de Ben Stiller ha perdido la foto más icónica que puede tener la revista "Life" ya que la planea usar para su última edición impresa. A partir de esto se desata toda una aventura en busca del fotógrafo Sean O' Connell (Sean Penn) para encontrar dicha foto y darle una memorable portada final a la revista.

Como para darle más sentido a la trama de la película: la búsqueda de un fotógrafo que recorre paraísos para retratarlos de la manera más hermosa; la misma cinta hace eso, la fotografía es espectacular, es colorida, llamativa, dinámica, capta en cada escenario justamente lo que O' Connell trata captar. El manejo visual que vemos ante nuestros ojos es atractivo de igual manera, usa de una sutil pero hipnotizante manera el conocido corte por forma, lo cual mantiene a nuestros ojos siempre viendo atentos y de hecho un detalle interesante, el cual no sé porqué se debe pero que me agrada son las tomas verticales, ver a los personajes como si fueran hormigas, y esta cantidad de detalles pequeños pero llamativos hace que visualmente no te aburras de lo que ves.

Además de esto es divertido ver cómo se conectan los cabos sueltos que deja la trama, casi siempre la pregunta que uno se hace al ver el término de una escena es: ¿Ahora qué sigue? siempre estamos preguntándonos qué hara ahora el personaje ya que parece no tener salida de la situación planteada. Para guiarnos con ellas las actuaciones me parecen buenas. Sin embargo algo que en lo particular me molesta son los diálogos, entiendo que quieran dar la sensanción que nuestro protagonista es una persona aburrida y que debido a ello con sus conversaciones aburra a sus compañeros y está bien, pero no tiene que aburrirnos a nosotros; esto sí me incomodó, me aburrió, al principio de la cinta aprecié como irónicamente mientras las imágenes me divierten las conversaciones me aburren.

Y lo más importante es que llegan los créditos, llega el final de la película y lo que tengo que decir es: me encantó, es más de lo que esperaba y es de hecho de esos largometrajes que me demuestran que se pueden romper prejuicios, que te sorprenden y demuestran que un buen trabajo puede vernir desde donde sea, si no la han visto la recomiendo y si lo han hecho véanla de nuevo, vivamos tal como Walter nos pide que vivamos nosotros: sin prejuicios ante la vida ni a nada que podamos hacer en ella. Un buen tema, grandes mensajes sobre disfrutar la vida desde hoy mismo, buena fotografía, buena música y en definitiva un buen guión y gran trabajo de directo de parte de Stiller.

Recomendación: No Quiero Volver Solito

Algo maravilloso hoy en día es la capacidad que tenemos de acceder con tan solo un click a toda la cantidad de información que queramos, podemos ver una película al instante y saber todo sobre ella en un solo movimiento del mouse. Como alguien a quien le encantan las películas, siempre estoy explorando, leyendo, buscando y pidiendo recomendaciones de películas y de esa manera puedo encontrarme de vez en cuando con joyas del cine que quedan marcadas en mi memoria.

Pero de vez en cuando, al estar cansado y no soportar grandes cantidades de información como lo es una película; busco cortometrajes y es ahí donde agradezco al ya mencionado poder de accesibilidad de internet. No tenemos que ir muy lejos, lo que hago es simplemente ir a YouTube, poner "cortometrajes" en la barra de búsqueda y me lanzo a explorar infinidad de trabajos. Algunos profesionales, otros independientes, pero sobretodo con cantidad de creatividad maravillosa. El día de hoy quiero recomendarles un cortometraje que me encontré vagando por la web una noche cualquiera; este trabajo es: "No quiero volver solito" dirigido por Daniel Riveiro.

La historia trata de Leonardo, Giovanna y Gabriel, tres amigos que se enfrentan a la etapa de la adolescencia en medio de dudas respecto al enamoramiento que surge entre ellos. Para empezar Leonardo y Giovanna son mejores amigos, debido a la discapacidad visual de Leo, ella se encarga de ayudarlo en casi todas las actividades que realiza, llevarlo a casa, ayudarlo con las tareas, defenderlo de la burla de los demás por ser ciego. En este escenario llega Gabriel, un nuevo estudiante en su salón y que rápidamente se hace su amigo. A medida que su amistad progresa se va generando un sentimiento nuevo para Leo; se ha enamorado, y con la incertidumbre de haberse enamorado de su amigo llegan también los celos e inseguridades de Giovanna, que no se siente del todo correspondida por él.

Lo que más admiro de este corto es el guión, pocas cosas son mejores que poder apreciar la evolución de los personajes en toda historia, para eso se crea la historia en sí; poder apreciar cómo los personajes y todo su mundo evolucionan al enfrentarse a algo desconocido. En este trabajo se aprecia perfectamente, el guión es impecable, tenemos la cantidad de historia necesaria contada en el tiempo necesario, el cual a pesar de ser apenas un cuarto de hora no nos deja esa sensación de vacio, de querer ver más, porque quedamos satisfechos con lo que acabamos de ver, claro, la historia de estos amigos y futuras situaciones aún quedarán por ver, pero puedo decir que lo prefiero así, una buena historia que nos brinda el final necesario.

Pero el guión no sería nada sin las actuaciones y en esta historia claro que podemos ver buenas actuaciones, talento joven, adolescentes que sin duda tienen un futuro en el cine y teatro (tal vez ya lo tengan, la verdad no estoy muy enterado de cómo les irá en su país natal) creo yo que lo que les brindó la oportunidad de poder desenvolverse bien en su papel es que pudieron actuar como lo que son: jóvenes, en situaciones que cualquier de nosotros pudo vivir o a vivido; esto se nota más en la adaptación a largometraje: "Hoy Quiero Volver Solito" que toma la misma historia pero la alarga para una mayor comprensión y disfrute de los espectadores, en esta cinta podemos ver más de cerca el desarrollo que tienen los personajes. Sin embargo sigo creyendo y talvez sea por razones sumamente subjetivas que el primer trabajo en corto es mejor.

Y esta es la historia que quería compartirles hoy, una simple, modesta pero muy bien elaborada historia que nos muestra lo que es ser adolescente y vivir en una etapa en la cual las dudas y encrucijadas nos invaden. Con personajes entrañables bien llevados por un gran guión y protagonizados de la mejor manera; "Hoy Quiero Volver Solito" es una cinta que les recomiendo ver, al igual que su adaptación de mayor duración ya mencionada. Pueden encontrarla completa en YouTube, disfrútenla.