Pecados de Cinéfilo: Pulp Fiction

Hace un tiempo inicié una sección en este blog donde hablaba de películas que a pesar de contar con la aprobación general del público y la crítica, no lograban convencerme. Películas que hoy en día son consideradas obras maestras y de las que se escriben, comentan y analizan múltiples veces; son parte del corazón colectivo de distintas comunidades cinéfilas que las pusieron sobre un altar, esto no tiene nada de malo claro está, todos tienen el derecho de formar sus propias opiniones ya sea concuerden o no con la opinión pública, el único capaz de moldear su opinión es uno mismo.

Y con el mismo nivel de importancia que el de tener un criterio propio está el derecho de poder expresarlo, de poco sirve tener una voz propia si no la usas. Es por eso que escribo sobre el tema que me ha traído más roces con otros fanáticos del cine: No me gusta "Pulp Fiction", tras oír esas palabras salir de mi boca un gran número de personas me ven atónitas y unas cuántas con desprecio, no los culpo, también me cuesta procesar cuando escucho opiniones similares de mis películas favoritas. De nuevo, no está mal tener opiniones propias, pero a cambio pido amablemente una explicación agradable y con argumento, aquí está la mía:

Hablemos de: Enter the Void

Mientras que la historia de película puede funcionar fluidamente, puede que su cinematografía no resalte, hay ocasiones en que un buen guion se filma con una simplicidad estática, plano tras plano tras plano, con movimientos básicos de cámara y expresión puramente actoral. Sin embargo hay cintas que realizando magistral uso de movimientos de cámara, fotografía y montaje, quedan grabadas en nuestras retinas, marcándonos con una imagen o secuencia que nos acompaña el resto de nuestra vida.

En mi caso la película que impregnó en mí el poder de sus imágenes es: "Enter the Void" de Gaspar Noé.

Recomendación: El Derecho y la Política van al Cine.

Creo que si dejamos a la religión de lado, no hay tema más frágil de tocar que la política. Ha estado presente desde el inicio de la humanidad, ya sea en poblados menores como en grandes imperios; la política es parte de nuestra vida (querámoslo o no). Como el arte es la representación metafórica y subjetiva de la vida es lógico entonces que se represente en más de una forma a la política en la pantalla de las salas de cine, ya sea como instrumento político, como detractor y amenazante de ciertas ideas y partidos políticos o simplemente como piezas de arte a las cuales podemos atribuirles significados políticos; queda en claro que tanto cine como política están adheridos a nuestra vida diaria y que nos vemos en gran medida influenciados por ambas.

Pero es también verdad que parecen ser polos opuestos, es mucho más disfrutable (a toda edad creo yo) ir al cine o relajarse en casa viendo películas que ver las largas horas de transmisión en vivo de debates en el ministerio o ver los resúmenes de jornada de los que nada entendemos en los noticieros. Preferimos ver a Batman pateando el trasero de mafias corruptas en vez ser nosotros quienes se encarguen de la corrupción en nuestra ciudad. Mucho de eso se debe a que la política no se deja entender, después de todo a qué político le gustaría que la población entienda qué es lo que se trae entre manos. Pero es en este punto donde el cine puede intervenir y re-dirigir la atención del público hacia lo que sucede en los senados, los ministerios y en las municipalidades de nuestra ciudad y lo mejor de todo, siendo accesible para todos.

"El Derecho va al Cine" y "La Política va al cine" son libros publicados por el Fondo Editorial de la Universidad del Pacífico, siendo sus editores Cecilia O'Neill de la Fuente en el caso del primero y de trabajo mutuo por Manuel Alcántara y Santiago Marini en el caso del segundo. Ambos libros son una recolección de artículos de distintos autores que dan sus interpretaciones y análisis a distintas películas de diversos géneros bajo una mirada jurídica, política y moral, permitiendo así que el cine sirva de instrumento de entendimiento y comprensión para los espectadores casuales y que estos puedan formar sus propias ideas a través de las cintas que ven en sus pantallas.

Retrospectiva: Estudios LAIKA

Técnicas clásicas en nuevos tiempos

El cine es un arte, quizás el más completo de todos, y como todo arte refleja la naturaleza del ser humano y siendo la naturaleza de este la innovación, el cine no puede verse ajeno a esto. En el cine animado hubo cambios significativos que marcaron un antes y un después, especialmente en las técnicas que se usa para llevar estas producciones a cabo.

Uno de los grandes hitos fue en 1995 con el estreno de "Toy Story" primera cinta animada enteramente por computadora que marcaría no sólo el inicio de PIXAR y su posterior reinado tanto en crítica como en taquilla, sino también impulsaría el gran salto de grandes empresas como Disney y Dreamworks a la animación en 3D, dejando de lado técnicas tradicionales como el 2D y Stop-Motion. Si bien hoy en día ambos estudios siguen produciendo cintas elaboradas con esta última técnica mencionada ("Frankenweenie" por Disney en 2012 y las múltiples películas de Dreamworks en alianza con Aardman Animations) es notable que el interés y financiamiento por este tipo de proyectos ha bajado.

Con todos los cambios en la industria y las preferencias de las grandes masas, nace en 2005 "LAIKA Studios", productora cinematográfica de filmes animados que más allá de apostar por la elaboración de sus proyectos en esta antigua técnica, busca reinventar e innovar la forma en que se la práctica. Hablamos de una productora que no tiene miedo a apostar por lo tradicional pero que a la vez le suma e integra una visión optimista y fresca. Los estudios LAIKA nacen a mediados de la década pasada, siendo financiada por Phil Knight (co-fundador de Nike) como ayuda para su hijo Travis, quien se haría cargo de la compañía hasta hoy en día. No fue hasta cuatro años después, en 2009, bajo el mando de Travis y la dirección de Henry Sellick, que se estrenaría su primer largometraje: "Coraline" y a partir de ese punto no habría vuelta atrás; las cosas mejorarían para LAIKA.

Ética y Estética de LAIKA Studios

"Un efecto especial es una herramienta, un medio para contar una historia.

Un efecto especial sin una historia es algo muy aburrido." - George Lucas

Puesto que el cine nació siendo un medio de entretenimiento puramente visual (el sonido en la grabación y proyección no llegaría hasta 1927) es obvio entonces que su objetivo desde siempre haya sido impactarnos por medio de los ojos, ofreciéndonos maravillas visuales que pueden asombrar, envolver y enamorar al espectador. Con el avance del CGI, esta meta se ha visto muchas veces cumplida además de ser superada por sí misma en múltiples ocasiones. Sin embargo reducir el cine a este apartado es una forma terrible de subestimar todo lo que el medio puede ofrecernos.

Cuando vemos una película de LAIKA, vemos composiciones visuales que se ensamblan gracias a la combinación de estas dos técnicas de animación, la filosofía de la compañía permite explorar los avances tecnológicos como un medio de ayuda y potenciación del arte en vez de un reemplazo a este. Una vez terminado el guion y storyboard, el equipo técnico se reúne para coordinar y encontrar una visión conjunta de la que será su próxima historia a filmar. Durante el proceso de fabricación de marionetas el personaje más importante es Georgina Hayns, supervisora y líder del departamento, el trabajo de esta división va desde el ensamblaje del esqueleto de los muñecos hasta la coloración de su ropa y piel. El siguiente video muestra el detallado trabajo que dan a este proceso.


Tengamos en cuenta que este proceso se lleva a cabo para al menos 30 muñecos por personaje, puesto que cada animador trabaja independientemente en su propia secuencia en cada uno de los cuartos ambientados para la filmación de las escenas, esta característica forma de trabajo se lleva a cabo porque creen que cada animador tiene su propio ritmo y forma de trabajar; es trabajo del equipo de efectos especiales (y posteriormente el de montaje) el unir todas las secuencias de distintos animadores para que la imagen y transiciones fluyan de manera natural.

Otro importante personaje que aportó al avance técnico del estudio es Brian McLean, quien con el uso del diseño en 3D, pudo darle a los personajes cantidad de expresiones, estas luego serían formadas por medio de las impresoras 3D. Así damos en gran salto desde "Coraline" que usaba 207,000 expresiones, a "ParaNorman" con 1.4 millones de expresiones, en "Boxtrolls" esta cifra aumentaría en un millón más y finalmente en "Kubo" el logro alcanzó la inmensa cantidad de 48 millones.

Toda la audacia e innovación técnica que se empeña en cada una de estas películas apuesta por más. Esto nos da garantía que sea cual sea el siguiente reto a afrontar para LAIKA, nos sorprenderán de la mejor manera.

Un repaso breve por sus películas

El año pasado LAIKA celebró su primera década de existencia con la salida de "Kubo and the Two Strings" siendo esta mi favorita y la más avanzada técnicamente. Con tan solo 4 cintas creo que las historias que nos han brindado han logrado hacerse de una buena cantidad de fanáticos y que cuentan con elementos y estética característicos. Sus historias no se limitan a la hora de mostrar imágenes algo perturbadoras tratándose de audiencias infantiles, algunos chistes son obviamente dirigidos dirigidos a audiencias mayores y todos los protagonistas que nos han presentado son niños algo desalineados con su entorno o sociedad: Coraline es una niña curiosa que vive constantemente siendo ignorada por sus padres, Norman es catalogado como el "raro" del colegio y es la burla de todos, Eggs fue criado por trolls toda su vida y evita relacionarse con humanos y por último tenemos a Kubo, hechizado con una maldición que le impide tener una familia y vida normales; todos ellos pasan por aventuras de trasformación logran hacernos pensar en un nivel más profundo.

Coraline (2009)

Caracterizada por su look gótico y ambiente espeluznante, "Coraline" nos cuenta la historia de una niña que ante la desatención de sus padres y la extravagancia de sus nuevos vecinos, decide explorar la misteriosa casa a la que acaban de mudarse y sus alrededores. Es así como descubre una puerta que la lleva hasta un mundo de fantasía, donde sus padres no sólo le prestan atención sino que tanto sus vecinos como la casa misma se tornan más vitales y divertidos.

Destaco la forma espeluznante en que retratan los ambientes y los personajes, siendo a la vez de tenebrosa, colorida y cuidada hasta el detalle. La historia también nos llama la atención sobre las relaciones padres-hijos, el abandono y el subsecuente rechazo a la realidad, siendo posible de ver también por un público más adulto y reflexivo. Ciertos detalles como el personaje de Wybe, que aparece cuando es conveniente para la trama, secuencias lentas y que poco aportan a esta y sobretodo la falta de desarrollo en los padres de Coraline impidieron que conecte del todo con la cinta. La califico con 7/10.

ParaNorman (2012)

Siguiendo con la estética macabra, "ParaNorman" tiende a irse esta vez por un look más Horror Vintage que caracteriza a las películas de terror de antaño. En la historia tenemos a Norman, un niño que puede hablar con los muertos y consecuencia de esto todos creen que está loco, tildándolo de raro y excluyéndolo de ellos. Es tarea de este singular protagonista detener a una bruja cuya maldición amenaza a los habitantes del pueblo.

Lo que más disfruto de esta entrega es la reflexión que nos ofrece por medio de su historia, temas como el rechazo, el miedo a lo distinto y el daño que podemos hacer a otros justamente por ello. Los personajes secundarios caen en ser clichés pero es cierto también que aprovechan para burlarse justamente de estos. La música y ambientación son ideales. Quizás mi mayor problema es que el conflicto y desarrollo de personajes sucede todo en una noche, he visto ya varias películas donde la trama sucede en apenas un día lo cual dificulta para mí convencerme de que el desarrollo y conflicto interno de los personajes se resuelva tan rápido. La califico con un 8/10.

Boxtrolls (2014)

La cinta que menos disfruté del estudio, siendo una propuesta interesante pero que para mí cayó en lo más básico de las historias infantiles. La historia sigue a Eggs, un niño que fue criado por pequeños trolls que viven en las alcantarillas y que usan sus cajas como las tortugas usan sus caparazones. Ante la llegada de unos exterminadores al pueblo victoriano, Eggs, los trolls y la hija del rey, Winnie; deberán hacerse cargo del problema.

Esta cinta se me hizo predecible desde los primeros veinte minutos, la motivación del villano principal Archival Santcher se siente muy ridícula y poco creíble, los secuaces de este desde un inicio se nota que se harán buenos en algún momento conveniente para la trama y la forma en que se desenvuelven los demás personajes se siente tal a la ligera que no causa impacto.

La califico con un 2/10.

Kubo and the Two Strings (2016)

Es su cuarta película y además su forma de celebrar su primera década de existencia ¡Y qué manera de celebrar! "Kubo and the Two Strings" o como se nombró en Latinoamérica "Kubo y la Búsqueda del Samurai" alcanza nuevos niveles técnicos, artísticos y estéticos que la hacen realmente única.

La historia nos habla de Kubo y la maldición que pesa sobre él, siendo su tarea encarar a su abuelo quien es un dios que no siente compasión por los humanos; se ve inmerso en una aventura donde tiene que recolectar todas las piezas de la armadura de un valiente samurái que dio su vida defendiendo lo que creía correcto. El guion es bien trabajado y nos permite empatizar con el protagonista, esto sin dejar de ser conscientes que es solo un niño, le gusta jugar divertirse como a cualquier otro y a pesar de las dificultades sigue sintiéndose tan valiente como real.

Visualmente hablando nos encontramos ante una maravilla de película, que combina muy bien el CGI y Stop-Motion, los escenarios creados para la cinta son bellos y bien trabajados, las escenas de acción son muy bien producidas, la paleta de colores es viva y atrapante y el soundtrack más que ser un adorno es una ayuda para la trama.

Lo único que me molestó un poco y siendo apenas algo menor fue la introducción del personaje del Escarabajo, quien parece de la nada querer unirse a la aventura, también el desenlace con el villano no alcanzó del todo mis expectativas, pero fuera de ello para mí la película es un 9/10.

¿Qué podemos esperar de LAIKA?

Tras un repaso breve por el trabajo y forma de producción de LAIKA, solo nos queda estar a la expectativa de un estudio que ha probado que en pleno Siglo XXI hay espacio para técnicas clásicas y animación digital, sacando el máximo provecho de cada una de ellas y viendo a futuro cómo superarse a sí mismos. Nos han probado que la tecnología y el arte pueden ir de la mano, a diferencia de muchos detractores que ven en CGI como un cáncer que limita y conforma el proceso artístico detrás de una película, hablando también con el otro lado que reduce el cine al uso de efectos especiales sin freno. LAIKA no parará, sean cual sean nuestras expectativas a futuro sobre esta compañía, las superarán, tal como vienen superándose a sí mismos en cada nuevo producción que hacen.

Reseña: La La Land

A finales de 2014 tuve la oportunidad de ver una película que inmediatamente quedaría entre mis cintas favoritas de los últimos años: "Whiplash" de Damien Chazelle, la historia de un baterista que soñaba con transcender en el mundo del jazz y dejar su marca en la historia, enfrentado a la malévola y catárquica presencia de un radical profesor de música cuyo objetivo en sus propias palabras era "Impulsar a las personas a ser más de lo que se espera de ellos". La cinta me emocionó especialmente por el conflicto moral que nos planetaba, la historia escrita por el propio director es aún una de mis favoritas.

Entonces me propuse seguir siempre el trabajo de Chazelle ya que para ser apenas su segundo filme y ya estar haciéndose camino en el mundo del cine, era un éxito realmente impresionante. En 2016 participó en la escritura del guion de "Cloverfield 10 Lane" cuya tensión psicológica entre los personajes realmente disfruté (a pesar de no quedarme muy convencido con el final). Y es ahora que finalmente llega a Perú su tercera película que además de ganarse el estar en boca de todos y ser recomendada una y otra vez, se llevó nada más que 7 Globos de Oro la noche anterior a su estreno aquí.

Este retrasado estreno fue realmente una tortura personal puesto que en distintas páginas web y grupos de cine se comentaba lo genial y divertida que era, y mientras otros países ya podían disfrutarla en sus salas de cine yo tuve que esperar semanas en las que tuve que tener cuidado para no arruinarme a mí mismo el entretenimiento de ver la película, puesto que la comunidad de internet está plagada de spoilers y opiniones que pueden influenciar fácilmente a uno.

Pero finalmente está aquí, ya pude verla y si bien no soy fanático de los musicales y apenas he visto tres en toda mi vida (y eso que solo fue porque no tenía nada más que ver) decidí arriesgarme a pagar una entrada para poder ver el trabajo de este ascendente director cuyo trabajo, como ya mencioné, admiro demasiado.

Quizás la más dura prueba por la que pasé (y de seguro muchos pasan) a la hora de ver un musical es la idea predeterminada que tenemos de ellos: alegres, vivaces, coloridas, radiantes y sobre todo románticas; ideas que luchamos por aceptar puesto que la vida real no es así, no es tan sencilla, no es tan simple como encontrar al amor de tu vida en un solo día o ver cumplidos tus sueños con apenas dificultades; son ideas falsas e inverosímiles pero que conservan cierto encanto y deseo, en el caso de los soñadores es incluso más, pero el verdadero logro de Chazelle con esta película no sólo es dejarnos llevar por este tipo de historias, sino llevarlas más allá.

Se habla muchas veces que el cine no se trata de contar historias sumamente originales, sino innovar la forma en que las cuentas, el poder de contar una historia conocida de manera única. En "La La Land" tenemos esa clase de argumento, si les contaran la historia sobre una joven soñadora que llega a Los Ángeles con el objetivo de ser actriz pero que vive constantemente las decepciones de un mundo que no aprecia su talento ¿Dirían que es una historia espléndida y original? claro que no, raya en ser un cliché; en otro ejemplo tenemos a la pareja protagonista que en un inicio no se llevan bien pero que por casualidades de la vida pasan una noche fantástica y desde entonces son los seres más románticos del mundo, también otro cliché, así que la trama de esta película no es del todo original, pero su forma de evolucionar y desarrollarse es fascinante.

Cautivación visual y sonora

Al entrar a la sala de cine a ver un musical uno sabe que habrá momentos alegres y divertidos con más de una escena cursi, y de hecho en un inicio "La La Land" es así. Veo esta cinta como una obra dividida en dos partes, la primera busca cautivarnos y sorprendernos con el despliegue visual, técnico y sonoro del cual Chazielle y su equipo técnico hacen uso sin freno y de manera magistral; la fotografía que nos ofrece Linus Sandgren es colorida, sólida, cuidada y estéticamente alegre. El manejo de cámaras en los planos secuencia está llenos de detalles y viveza que los ojos del espectador no pueden quedarse quietos ni aburrirse en ningún momento. Las canciones primaverales y joviales que sirven para imprimir simpatía en la historia

Las actuaciones de Emma Stone y Ryan Gosling como Mía y Sebastian son buenas. Tenemos tiempo para conocer a cada uno de ellos, sus miedos así como metas y aspiraciones y tanto Emma como Ryan entrar perfectamente en la piel de sus respectivos personajes (aunque como dije, estos son algo de cliché) y una vez que comparten pantalla juntos la química que surge entre ellos se siente natural y por ningún momento forzada.

Los personajes secundarios no son muy explorados en esta parte de la cinta ya que aportan poco o nada a la historia, logrando mantenerla simple y entendible para pasar a lo bueno.

Empatizamos más con los personajes

Hasta ahora todo bien, tenemos una historia entretenida pero común, alegre y expresiva pero por el momento nada que no veríamos en cualquier otro musical, todo es felicidad y amor. Es en la segunda parte donde creo que la historia avanza progresivamente hasta llegar al clímax que no dejará indiferente a nadie.

La primera parte sirvió para envolvernos y sentir la atmósfera de musical moderno pero con tintes de antaño. Pudimos conocer y sujetarnos a nuestros personajes pero es a partir de este punto que empezamos a empatizar seriamente con ellos, los conflictos se vuelven más complicados, sus miedos son más entendibles, su sufrimiento y amor se siente más real, hacemos una exploración psicológica por ellos y esto los vuelve más humanos, más reales. Los personajes secundarios ahora tienen un papel e influencia más relevante para la trama y el sentimentalismo se aborda de una manera más certera y relacional.

Aquí se rompe la ilusión de cuento de hadas que puede tener no solo cualquier musical sino también cualquier historia romántica. El cambio de entorno se construye (al igual que en la primera parte) a través de la estética y las canciones, aquí pude realmente empezar no sólo a creer en los personajes sino en familiarizarme con ellos.

Ciudad de Sueños

Primero nos cautivó el despliegue artístico de la película, que sirve como una invitación a su propio mundo y personajes; para luego pasar a la exploración y construcción de ellos y así avanzar progresivamente en una historia que cada vez tiene más dificultades, más realismo y más sentimiento. Todo esto para llegar a una de las mejores secuencias finales que he visto en mi vida.

"La La Land" no es una historia nueva, pero si es una historia bien contada, bien filmada, ejecutada y actuada. Las canciones, fotografía, guion, personajes y secuencias quedarán mucho tiempo en la memoria del colectivo cinéfilo y es una apuesta segura en muchas categorías de los Óscares que veremos en poco tiempo. Mi calificación es 9/10, recomendada.

Reseña: Assasins Creed (SPOILERS)

En el ya lejano año de 2010 tuve la oportunidad de jugar por primera vez una de las franquicias de videojuegos que más he seguido a lo largo de los años: "Assassin's Creed II" un juego que junto con su historia, jugabilidad, música y ambientación me fascinó, la rara idea de tener un videojuego al estilo de mundo abierto como GTA pero en distintas épocas de la historia de la humanidad pareció funcionar bien para Ubisoft, quienes se encargaron de llevar la franquicia al punto de la sobre explotación y el desenfreno. No soy un "gamer" experto en videojuegos e incluso ni soy el mayor fan de esta saga, sus primeras entregas me parecieron maravillosas e intrigantes pero nada más allá de ello.

Con el creciente intento de volver a producir películas basadas en videojuegos y además que están al fin encuentren la fórmula de funcionar bien; Ubisoft se arriesgó a sacar su propia adaptación de la popular saga, mas no se centraron en la recreación exacta de las tramas contadas en sus numerosas entregas, decidieron ir por un terreno relativamente nuevo, quedando del videojuego solo el concepto, mientras que los protagonistas, ambientaciones históricas y arcos argumentales se escribieron a partir de la propia imaginación e información del a cual se valían sus guionistas, los cuáles nos llevarían a una de las épocas más crudas de la historia: La Inquisición Española.

Así que tenemos una idea que atrae a los fans pero a la vez nuevas historias que podrían entretener tanto a ellos como a cualquier persona indiferente del videojuego, llega la hora de la verdad ¿Qué tan bien lo hizo?

Recuerdo que al jugar el videojuego lo más entretenido era el desarrollo de la trama en un determinado periodo de la historia, en mi caso empecé en la segunda entrega, ambientada durante en Renacimiento Italiano, y así en cada una de las entregas teníamos a los encapotados envueltos en aventuras distantes en el tiempo; creo que ese fue el punto más fuerte de las entregas: la ambientación histórica, más allá de solo ser relatos ficticios de asesinos fantásticos de una secta imaginaria, la ambientación nos permitía envolvernos en esos periodos tan intrigantes que las tramas conspiraóicas que nos entregaban eran igual de misteriosas y divertidas de ver, usaban la época para entretejer un argumento que se desarrollaba entre el misterio y ficción, argumentos que nos atrapaban y dejaban tiempo para empatizar con la época, los personajes y sus motivaciones, al construir buenas tramas en el pasado podíamos ver sus repercusiones en el futuro, lo cual complementaba la intriga que se creaba.

Lo que falla enormemente en la adaptación es eso: el tiempo que se da a cada una de las historias. La película es indecisa, quiere mostrarnos una trama inquietante en el futuro pero a la vez una trama intrigante en el pasado, quiere que nos sintamos atraídos por el protagonista Callem pero a su vez que nos sintamos impactados por la gran habilidad de Aguilar, su antepasado; hay tantas tramas que nos quieren mostrar que al final ninguna termina de empatizar con nosotros, por lo cual el nivel de atracción baja.

Vamos por partes: en el presente tenemos la historia de Callem, protagonizado por Michael Fassbender, él tiene conflictos y traumas con su padre por el asesinato de este hacia su madre, pasa su vida con esos conflictos hasta que cae prisionero por homicidio para luego ser "liberado" y terminar en empresas Abstergo. Una vez ahí descubrimos que el líder de la organización es Alan Rikkin, quien busca un artefacto llamado "El Fruto del Edén" origen del pecado del hombre. Para ello él y su hija Sophia (interpretada por Marion Cotillard) cuentan con decenas de descendientes de los Assasins, con los cuáles experimentan buscando dicho artefacto, estos prisioneros tienen problemas con Callem puesto que creen que en algún momento él los traicionará. Tan solo aquí tenemos 3 conflictos que luchan por ser el principal y que llevan a un ritmo avanzado, la creación apresurada de relaciones lo cual las hace poco creíbles y lo peor: resoluciones simples sin desarrollo de personajes. El ejemplo más claro de esto es Callem, quien tan solo en una sesión de entrada y salida del Ánimus pasa de ser el despreocupado individuo a ser el líder de un colectivo rebelde, sin desarrollo, sin credibilidad.

En la línea de tiempo del pasado las cosas no mejoran mucho, como mencioné, lo más importante y característico de los videojuegos era la ambientación, en cada uno de ellos la etapa histórica era sumamente importante para la trama, en esta ocasión no se siente así; se podría haber ambientado la trama en cualquier otro periodo histórico y sería exactamente lo mismo, no se aprovecha la estética ni los recursos que ofrece la etapa de la Inquisición Española, uno de los tiempos más oscuros e intrigantes de la historia. Además de esto, tampoco se logra empatizar con los personajes aquí, sabemos que los Assassins buscan proteger el Fruto a cualquier costa pero ¿Cuáles son sus motivaciones? más importante aún ¿Cuáles son las motivaciones de Aguilar? el personaje es simplemente hueco, sirve para las escenas de acción y espectacularidad visual, pero en sí no llegamos a conocerlo en ningún momento, ni sus relaciones con los demás, nada que nos pueda atraer en él como protagonista.

Volviendo a la línea del presente la recta final es realmente un despropósito, no solo el cambio radical de la conducta de Callem que se une al resto de asesinos sin ningún desarrollo del personaje; sino también la gran contradicción con el personaje de Sophia, quien en toda la película es consciente de lo que buscan y lo que planean hacer con el Fruto, y que sin embargo tiende a volverse "buena" por motivos incomprensibles, tal parece que en su intento de humanizarla se perdió credibilidad en el personaje.

¿Pudimos haber obtenido un mejor producto?

Después de tal avance sin freno de la película quiero preguntarme ¿Qué se pudo haber hecho para crear un mejor producto? No quiero dármelas de sabio y simplemente desacreditar esta película porque después de todo sí me entretuvo, como jugador de los videojuegos pude entender un poco mejor la historia o al menos lo que esta planteaba, pero aquellos espectadores ajenos a ellos conflictuarán a la hora de ver la cinta. En lo que Ubisoft tuvo que trabajar más es irónicamente en la simpleza, hacer la película entendible para todos, buscar una buena historia y contarla en vez de múltiples historias que se saturan unas a las otras.

¿Cómo hacer esto? pues sigo siendo partidario terco de la ambientación, para mí lo es todo, no es lo mismo contar una historia desarrollada en la Primera Guerra Mundial que en la Segunda Guerra, tampoco lo es en la Revolución Francesa que en el Renacimiento Italiano; cada época y etapa de la historia tiene sus propios fuertes y características que pueden ser usados por los guionistas para plantearnos una trama, valiéndose de la situación social, política y ética de determinado tiempo puedes llegar a crear un argumento tan entretenido que aunque rompa ciertos datos históricos envolverá y atrapará a la audiencia. 

Segundo, creo que una película enteramente en el pasado hubiera funcionado mejor, en su apuro de establecer bases para futuras secuelas (conociéndo a Hollywood es probable que lo hagan) y explicar todo, no explicaron nada; imaginémonos por un momento toda una película de los Assassins que transcurra totalmente en el pasado, explicándonos quiénes son, qué buscan, cómo planean lograrlo, por qué van contra los templarios; explicando todo esto y logrando que la audiencia entiendo y empatice perfectamente con ellos y sus objetivos. Ya al final de la película cuando la historia nos halla atrapado y creamos ingenuamente que es el final... la secuencia del presente aparece, dejando en claro que la historia no ha acabado, que hay mucho más por descubrir y que en la época contemporánea se sigue buscando el Fruto, aún existe, y que ellos están entre nosotros.

No puedo decir que con estas ideas la película hubiera funcionado mucho mejor, en primer lugar porque son solo opiniones y en definitiva un director o guionista experimentado debe conocer el terreno mucho mejor que yo, y en segundo porque sería una película totalmente distinta, mi propia visión de lo que debió haber sido, pero de nuevo, solo es una opinión. Assassin's Creed falla junto a las demás adaptaciones de videojuegos, haciéndonos esperar más por aquel trabajo que al fin logre captar lo mejor de ambos mundos, por ahora sabemos que esta entrega no es dicho trabajo, pero me mantendré a la espera con esperanza. Mi calificación final es de 3/10, a pesar de sus fallos cuenta con buenas actuaciones, escenas de persecución y acción increíbles y muy buenas coreografías.

Hablemos de: Alejandro González Iñárritu

¿Nunca han sentido como si el cine estuviera demasiado estilizado? Como si cierto conjunto de películas tuviera que tener obligatoriamente ciertos elementos para poder asegurar la ida de espectadores al cine y por consiguiente, el éxito deseado. Es obvio que un género consta justamente de eso, de ciertas características y elementos que se encargan de generar una sensación en común, ya sea la oscuridad y sonido tensionante en las películas de terror o las miradas esperanzadoras enmbellecidas con violín en los dramas.

Sin embargo lo que vengo a recalcar aquí no es la queja hacia dichos elementos, al contrario de ello, busco defender estos componentes puesto que creo que al día de hoy los géneros más que trabajarlos se han visto reducidos a ellos. Sin duda creo que los géneros más afectados por esto son el terror, la comedia y en cierta medida, el drama.

Es este último del que quiero hablarles hoy ya que veo cada vez más personas intolerantes hacia este apartado, la imagen predeterminada que tenemos de una familia rota pasando por problemas ante una pérdida, un extravío, o simplemente la aceptación de la vejez ha hecho que cada vez más personas tilden a esta variedad como "cursis", "aburridos" y muchas veces "predecibles" y no los culpo, pocas son las veces en que no vemos a la familia feliz ante un amanecer o atardecer con una nueva perspectiva de la vida que los ha hecho madurar espiritual y/o emocionalmente. Como dije antes, están muy estilizadas, maquilladas, reducidas hacia este tipo de tramas o personajes, tal es su simplificación que hasta los posters de estas películas son un cliché en sí.

Y es en este punto donde vengo a hablar de uno de mis directores favoritos: Alejandro González Iñárritu. Cada que veo una de sus películas estoy conciente de que veo un drama, y sin embargo lo siento diferente, siento que sus personajes, sus conflictos, sus tramas llegan más a mí que otros filmes del mismo género, logro una identificación mucho más profunda y por lo tanto una mayor empatía, lo que termina transmitiendo el conflicto de los protagonistas a nosotros con mayor intensidad.

Las primeras veces que vi sus películas sabía que había algo distinto, la estética, la sequedad de sus escenas, su crudeza, pero más allá de eso sentía algo más, solo que me constaba trabajo identificar qué. Después de explorar un poco más en su historia, su vida, sus opiniones y reflexiones y volver a ver sus películas una y otra vez me vi ante la respuesta que disipó mis dudas: humanidad. Sus personajes están cargados de una humanidad única que cuesta verla en otras historias, o al menos, que la expresen de la misma manera. Ahora, cuando me refiero a humanidad quiero que no nos confundamos en el término; "humanidad" es muchas veces vista como el lado bondadoso, carismático y caritativo de las personas, pero creo francamente que esa es una simplificación a la extensión total del término; "humanidad" implica todo lo relativo al sentir humano, un sentir que tal como puede hacernos crear cosas hermosas puede llevarnos a perpetuar grandes atrocidades, más allá del sentir compasión y alegría, la humanidad también es sentir ira y odio.

Y tal como mencioné antes, de los pocos que creo pueden captar esa humanidad es Iñárritu, y la forma más directa de hacerlo es a través de sus personajes. Usemos "Amores Perros" como ejemplo en esta ocasión. Para quienes no conocen la película es su primer largometraje estrenado en el año 2000 y retrata las distintas historias de tres protagonistas, estas se van entrelazando hasta llevar a un punto en común, un conflicto que afectará drásticamente los planes que todos tenían. A diferencia de otras cintas del género donde sentimos a los personajes como víctimas de un mundo injusto, donde pierden a su madre o esposa, donde la búsqueda de trabajo como corredor de bolsa se ve dificultada con la crianza de un hijo en los barrios bajos de New York, donde los protagonistas muestran lo mejor de sí para dar el ejemplo a su familia, amigos, compañeros o sociedad; en las historias de "Amores Perros" no es así, los protagonistas pueden ser tanto víctimas como victimarios.

Tomemos en cuenta la primera de las historias y mi favorita, la de Octavio y Susana. ¿Qué pensarían ustedes si supieran de un hombre que ama tanto a una mujer que está dispuesto a aceptar su pasado y todo lo que ello implica, incluyendo la responsabilidad de cuidar a su hijo? muchos lo verían como un acto puro de romance; pero no acaba ahí, el dinero con el que piensa cuidarlos es ganado ilegalmente: participando de peleas callejeras de perros. Preguntando a compañeros míos vi que la reacción cambia rápidamente, Octavio pasa de ser una persona romántica y valiente a un desgraciado maltratador animal, pero eso es justamente lo que me agrada de la película, no se expresa en términos de "bueno o malo" sino en el conflicto de un personaje que busca seguir hacia adelante, sin importar qué o quienes busquen detenerlo, lo que importa es si lo logrará más allá de la cuestión de si lo que hace es correcto o no; y muchas veces nosotros nos hemos visto envueltos en conflictos similares, donde tenemos que romper las reglas para poder adaptarlos y lograr nuestros objetivos.

Los personajes de Iñárritu no son perfectos, no son víctimas, no son "villanos" que busquen hacer daño a otros por el placer o por un acto egoísta, son personas con deseos, pasiones, miedos y luchas; que tienen que seguir adelante. En "Babel" somos testigos de la pacificación de una pareja deconstruida pero no de una manera fugaz o al contrario tediosa, son las condiciones extremas las que los llevan a la reconciliación. Por otro lado, la desgarradora historia que tiene lugar en Japón: Chieko, una adolescente sordomuda que solo quiere ser aceptada y querida en una ciudad tan llena de adolescentes que solo buscan diversión; esta fácilmente podría ser la trama de un drama adolescente que a la larga será olvidada y perderá popularidad, pero no es así, esta historia nos muestra que más allá de dramas adolescentes y conflictos juveniles la juventud también afronta sus problemas y sufrimientos. No se simplifica al típico "quiero ser querida y no encajo en ninguna parte" bajo el que se suele etiquetar tanto a los jóvenes como a sus historias.

La crudeza es también uno de los componentes del cine de Iñárritu y no es exclusivo de él, no es originario de él si quiera y no es necesario que lo sea para que nos impacte. No tiene miedo a mostrar las cosas tal como son ni romper estilos establecidos para crear grandes productos cinematográficos. Claro, también tiene la música melancólica y afligida acompañando sus imágenes, también tiene lágrimas y escenas de amor, también tiene romance y adolescentes; pero eso no es lo que hace un buen drama, no se ve reducido a eso, Iñárritu dota a sus historias de humanidad, sentimiento y desilusión, no es necesario mostrarnos protagonistas contentos al final de la película donde ya hayan entendido la vida y madurado emocionalmente; a veces los finales pueden presentarnos protagonistas tristes al borde del abismo (literal y metafóricamente) listos para madurar o en pleno conflicto que sabemos no será fácil de resolver, claro está ¿desde cuándo la vida fue fácil de resolver?

Y así como admiro el cine de este gran director y más específicamente su manejo de personajes, emociones y conflictos; quisiera algún día crear historias como él, historias que no caigan en clichés juveniles o dramas familiares del momento que pasan sin pena ni gloria por la cartelera. Alejandro G. Iñárritu es capaz de mostrarnos lo más profundo y hermoso en conflictos que podemos ver una y otra vez en el cine, pero con un toque de realidad que nos lleva a la más profunda empatía posible, y eso es lo que persigue justamente el cine: la capacidad de sentir junto con el protagonista, tarea que logramos gracias a este asombroso director.